Profesorado: Santos Zunzunegui, Vanesa Fernández, Estibaliz Alonso y Aintzane Pagadigorria, Haizea Barcenilla, Elena Oroz, Gonzalo de Pedro, Josetxo Cerdán, Miguel Fernández Labayen
Directores invitados: Isaki Lacuesta, Víctor Iriarte, Colectivo Sra. Polaroiska (Alaitz Arenzana y María Ibarretxe), María Cañas, Querido Antonio (Alberto González Vazquez) y Jorge Tur

Dirigido a: Alumnos universitarios, profesorado, profesionales del sector audiovisual y personas interesadas en la deriva del cine documental contemporáneo.

Más información: www.territoriosyfronteras.com, http://kulturbasque.ehu.es

Día 26 de Junio

Impartido por :

Isaki Lacuesta, profesor y cineasta.Ha sido descrito como un cineasta con mayúsculas, el más prometedor de los jóvenes cineastas españoles (Jaime Peña, Festival de Cine de Buenos Aires), y la editorial Phaidon Press lo incluyó en el libro Take 100 como uno delos cien cineastas que marcarán el futuro del cine mundial. Ha dirigido seis largometrajes, obteniendo la Concha de Oro en el FestivalInternacional de Cine de San Sebastián (2011).

Víctor Iriarte, cineasta.cursa el Master de Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra, se inicia en el cine como ayudante de dirección de Isaki Lacuesta en su largometraje Cravan vs. Cravan (2002).

Haizea Barcenilla estudió de Historia del Arte en la UPV/EHU y después un máster en comisariado en Goldsmiths, Londres.Trabaja como crítico de arte para Berria y Mugalari, organizo exposiciones y otras actividades como publicaciones o plataformas online, además de escribir textos para catálogos y publicaciones especializadas.

Sra. Polaroiska, grupo formado por Alaitz Arenzana & María Ibarretxe. Su obra gira en torno al cine experimental, el arte de acción, la creación escénica y la coreografía.

Día 27 de Junio

Impartido por:

Elena Oroz, licenciada en Comunicación Audiovisual, Máster en Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona y doctorando en comunicación por la Universidad Rovira i Virgili, donde ha trabajado como técnica de apoyo a la investigación. Tutora de guión y realización en el Máster en Documental Creativo de la UAB y profesora de la escuela de cine UACE y de la ESCAC. Es miembro del comité de selección del Festival Internacional de Cine Documental Punto de Vista, para el que ha comisariado junto a Sophie Mayer la retrospectiva de documental feministaLo personal es político(2011). Cofundadora y codirectora de la revistaon line dedicada a la no ficción Blogs&Docs hasta marzo de 2012.

María Cañas,practica una “videomaquia” (cinefagia militante) que se introduce en los tópicos y géneros para dinamitarlos. Dirige Animalario TV Producciones,www.animalario.tv, un espacio de creación dedicado a la cultura del reciclaje, al apropiacionismo y a la experimentación artística.

Miguel Fernández Labayen. Es profesor ayudante doctor del departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid. Su trabajo se concentra en la cultura cinematográfica española contemporánea, con publicaciones recientes en libros colectivos como Transnational Stardom: International Celebrity in Film and Popular Culture(Palgrave Macmillan, 2013), A Companion to the Cinema of Pedro Almodóvar (Blackwell, 2013) y Fisuras Fílmicas(Cendeac, 2013).

Jorge Tur ,actualmente es docente y coordinador de producción de proyectos en el Máster en Documental Creativo de la UAB.

Día 28 de Junio

Impartido por:

Gonzalo de Pedro,  crítico y programador. Ha trabajado como coordinador de programación del Festival Punto de Vista, fue miembro del comité de selección del desaparecido Festival 4+1-Fundación Mapfre, y es profesor de Análisis de la imagen en el Centro Universitario Villanueva / Universidad Complutense, además de profesor asociado de la Universidad de Navarra.

Querido Antonio es Alberto González Vázquez, guionista y realizador. Sus cortometrajes de animación han obtenido más de treinta premios en certámenes nacionales e internacionales e incluyen títulos como Los Reyes Magos (2011), El fin del mundo (2010), Cirugía(2006) o Un día con Amenábar (2003).

Josetxo Cerdán,profesor y director artístico hasta 2013 del Festival Internacional Punto de Vista.Profesor en la Universitat Rovira y Virgili y director artístico hasta 2013 del Festival Internacional Punto de Vista. Co-editor entre otros de Mirada, memoria y fascinación.

En esta edición, y como “novedad”, aprovechando la coyuntura de la reunión de Víctor Iriarte y el colectivo Sra. Polaroiska, está prevista la creación ad hoc de una pieza performativa para la clausura del curso, que tendrá lugar el viernes 28 de junio a las 19:00h.

Inauguración:

Día: 17 de mayo

Hora: 20:00-21:30

Exposición:

Fecha: 17 de mayo – 7 de junio. De lunes a sábado

Horario: De lunes a viernes: 17:30-20:30. Sábados: 11:00-14:00

“ John E. Sarno afirma que la represión de las emociones negativas, como el estrés, el enfado o la ansiedad, está en el origen del Síndrome de tensión miosítica, al hacer menguar el flujo sanguíneo dirigido a los músculos, los nervios o los tendones, lo que resulta en una pérdida de oxígeno que se manifiesta con dolor y tensión muscular. Sarno, afirma que una vez enfrentadas las emociones negativas, la tensión y el dolor desaparecen. Tratamiento basado en los mismos principios con los que Freud trataba la histeria: una vez conocidos los problemas subyacentes, su manifestación física desaparece.”

Melanie Thernsthrom.

Las crónicas del dolor

INAUGURACIÓN: 12 de abril, 20:00h

El ser humano solo no es capaz de entender los instantes mas rápidos que 1/250 de un segundo.

La fotografía de hoy consiste en pequeños fragmentos de tiempo, a menudo fracciones de fracciones de un segundo. La vida que ocurre dentro de ese fragmento de tiempo ya ha pasado antes de darnos cuenta.
Pregunte al jugador de fútbol sobre el momento en que estaba fotografiado en el aire. ¿Estaba consiente de él mismo, de su forma en el aire, de su expresión en la cara justo en ese 1/2000 de segundo? ¿O pasó tan rápido que ni si quera se dio cuenta del momento?

Este proyecto es un intento de captar entre manos, el segmento de tiempo que existe entre el comienzo de la exposición de una imagen fotográfica y el final de la exposición, cuando se cierra el obturador.

Cada cámara hoy—incluso todas las cámaras en los teléfonos móviles—intenta captar una escena en un instante, en una fracción de un segundo.

Mi proyecto intenta ir en la dirección opuesta. Quiero meter una palanca dentro de esta fracción de un segundo, entre el abrir y cerrar del obturador, y forzar el tiempo a expandirse. Voluntad de recuperar el tiempo perdido, encontrar de nuevo el momento de espera, la reflexión, la calma, el aburrimiento. Quiero encontrar de nuevo el mundo que se esconde  entre el abrir y cerrar de la exposición y reclamarlo para mi.

Quiere sentir de nuevo un momento donde no ocurre nada, pero el tiempo pasa.

Japón y la sensibilidad de lo bello

Una genealogía de su Arte y Estética

El curso tiene como objetivo adentrarse en una visión de los valores estéticos que representan ideales y cánones que han inspirado la creación de obras de arte y manifestaciones culturales en Japón.

En las diferentes épocas históricas Japón ha recibido continuas inundaciones culturales de las que ha resurgido, desde su gran capacidad de selección y adaptación, presto a descubrir sus propias raíces siendo el origen de un nuevo entorno cultural. Analizaremos los factores -como elementos conductores- del proceso evolutivo de los ideales estéticos de la cultura japonesa que engrandecieron e influenciaron todas las artes.

Veremos las características distintivas de la cultura japonesa (y su esteticismo), las principales y genuinas aportaciones estéticas junto a las proyecciones y relecturas que han generado en la praxis de las artes visuales de Occidente.

Curso impartido por Loreto Larrañaga

Tema de su investigación y tesis vinculado al arte y la estética japonesa.

Doctorando y Licenciada en Historia del Arte.

Complementa su formación académica en Historia del Arte, en la Universidad de Ámsterdam y The Italian International Institute, Istituto Lorenzo de’ Medici, Florencia.

Formación académica en Bellas Artes, en la Universidad de Barcelona, la G. Rietveld Academie, Ámsterdam (Holanda) entre otros.

Desarrolla un interés personal en el arte, la cultura y la estética indo-asiática.

Como creadora, ha participado con su obra en proyectos de creación y realizado exposiciones en ciudades del ámbito estatal e internacional.

CRONOGRAMA DEL CURSO

Mayo: 29; Junio: 5, 12, 19, 26; Julio: 3

Horario:Los Miércoles de 19.00 a 21:00

Matrícula: 80 € (estudiantes y desempleados 50€)

Las clases se impartirán en Bilbao Arte c/ Urazurrutia 32 Bilbao.

comisariado por Martin Pawley

Matrícula: 20€. en concepto de matrícula de asistencia

PROGRAMACION:

Lunes 17 de junio:

Hora de comienzo 16.30 horas. “Cartografía del novo cine galego: referentes y realidad actual”.
Presentación a cargo de Martin Pawley, comisario del ciclo
Descanso: 18.30 horas
19.00 horas:   VIKINGLAND de Xurxo Chirro (FIDMarseille 2011, Mar del Plata 2011 y FICUNAM 2012, PlayDoc 2012).
Presentación y coloquio a cargo del director Xurxo Chirro.

VIKINGLAND
2011, 99 minutos, 4:3.
Género:Documental
Dirección, idea y montaje: Xurxo Chirro
Imagen: Luis Lomba “O Haia”
Música: Seném Outeiro
Producción: Beli Martínez
Supervisión: J. A. Cascudo
Sinopsis: Varios marineros gallegos trabajan en un ferry entre la ciudad danesa de Romo y la isla alemana de Sylt. Uno de ellos compra una videocámara y comienza a grabar su vida cotidiana y la de sus compañeros durante un montón de travesías a lo largo de una invernía. Documento sobre la emigración gallega en el norte de Europa.
Festivales: FID Marseille 2011, Jihlava Film Festival 2011, Festival de Mar del Plata 2011, Festival de Gijón 2011, Cineuropa 2011, FICUNAM 2012, Play-Doc 2012 (Premio Mejor Documental).

Xurxo Chirro (A Guarda, España, 1973). Licenciado en Historia del Arte por la USC, trabajó para la Axencia Audiovisual Galega y AGADIC, organismos de la Xunta de Galicia. Crítico de cine, ha colaborado con diversos periódicos y revistas. Guionista y director de documentales: Os señores do vento (2008), 36/75 y 13 Pozas (2009), Cellular Movie (2010),Vikingland (2011), Á luzada (2012) y Noite (2012).

21.00 fin de la jornada.

Martes 18 de junio:

Hora de comienzo 16.30 horas

Presentación de los trabajos Martin Pawley:
ANACOS de Xacio Baño

ANACOS
2012, 6 minutos 30 segundos
Producción, dirección, guión y montaje: Xacio Baño
Fotografía: Lucía C. Pan
Reparto: Mabel Rivera, Xosé Barato, Fernando Morán.
Sinopsis: La vida de una persona puede ser tan simple y sencilla como su receta de bizcocho.
Festivales: Cineuropa 2011 (work in progress), Festival de Las Palmas 2012 (Mención Especial del Jurado), Festival de Málaga 2012 (Biznaga de Plata), ABYCINE 2012 (Mejor corto), Shnit Film Festival (Best International Short Film), Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2012 y Festival Internacional de Cine de Uruguay (ciclo “España alterada”), Clermont-Ferrand 2013.

PIEDAD de Otto Roca.

PIEDAD
Género: Documental
2011, 73 minutos.
Dirección: Otto Roca
Guión: Marcos Nine
Fotografía: Otto Roca
Sonido: Daniel Patiño
Montaje: Marcos Nine y Fran X. Rodríguez
Producción: Amén Cinema & Milpinton Films
Sinopsis: Piedad vivió gran parte de su vida en Leiroso, un pequeño pueblo del Bierzo, aislada del mundo urbano. Su marido falleció ya hace tiempo y sus hijos se han ido lejos de allí. Ella se quedó en el pueblo a pesar de que muchos vecinos se marchaban y otros se iban muriendo, hasta convertirse en la única habitante del lugar. A los 78 años aparece el alzheimer en su vida. El paso de los años y el avance de la enfermedad hacen que su hijo más joven tome la decisión de llevarse a su madre a vivir con él y su familia en la ciudad de A Coruña. Esto provoca un cambio radical en la vida de Piedad, en su día a día, en su entorno familiar y en los recuerdos que ella tiene de su vida anterior. En la nueva vida de Piedad no se sabe qué es verdad, qué es recuerdo y qué es producto de su enfermedad.
Festivales: Cineuropa 2011 (work in progress), MiradasDoc 2012, Festival Internacional de Cine de Uruguay 2013.

Otto Roca (A Coruña, 1976). Técnico de laboratorio de imagen, buena parte de su formación es autodidacta. Desarrolla su labor profesional como fotoperiodista y fotógrafo documental. Piedad es su primera incursión en el cine documental.

Descanso a las 18,00 horas.
18.30 horas:  LA BRECHA de Marcos Nine (BAFICI 2012)

LA BRECHA
Género:Documental-Experimental
2012, 85 minutos, color, 16:9
Dirección, guión y montaje: Marcos Nine Búa
Producción: Ximena Losada Arufe
Textos y arte: Rodrigo Losada
Posproducción: Fran X. Rodríguez
Música: Manuel Rivero
Sinopsis: El diseñador gráfico Rodrigo Losada y el cineasta Marcos Nine comparten una inquietud. Después de años de experiencia en sus respectivos oficios llegaron a la frustrante conclusión de que independientemente de las diferencias temáticas o formales de los distintos trabajos que realizan, siempre son capaces de solucionarlos con una metodología idéntica. Para huir de esta mecánica destructora de la creatividad, Rodrigo ideó el proyecto “La Brecha”. Se servía de materiales sacados de la basura para crear pequeñas composiciones en filminas que al ser proyectadas pudieran dar vida a una obra inicialmente no controlada por su autor. Marcos Nine pretende llevar al cine ese mismo proceso de trabajo planteando un film evolutivo del cual ni el diseñador ni el propio director tienen control. La Brecha es un film que cuestiona el concepto de obra de arte mientras pone de manifiesto los mecanismos de autocensura y autocontrol de los creadores.
Festivales: BAFICI 2012, S8 2012, Cineuropa 2012.

Marcos Nine (Hannover 1977) es director y guionista de la Illa de Arousa, aunque reside en A Coruña. Comienza su carrera en audiovisual en el año 2000 como guionista de la serie de TVG Mareas Vivas a la que seguirían otras como Terra de Miranda y As leis de Celavella. Su primer trabajo como director es Carcamáns (2003), un documental que relata como se vivió la catástrofe del Prestige en la Ría de Arousa. Posteriormente realiza Pensando en Soledad y JEDN (2006), Historia dunha parroquia (2007), O premio da Rubia y A fábrica (2008), Radiografía dun autor de tebeos y Manuscritos Pompeianos (2010).
20.00 horas:  Mesa de debate: proyección internacional de los cines periféricos: Martin Pawley, Xurxo  Chirro, José Manuel Sande y Lois Patiño.

Miércoles 19 de junio:

Hora de comienzo 17.00 horas :
sesión de cortos de Lois Patiño.
Incluye MONTAÑA EN SOMBRA, EN EL MOVIMIENTO DEL PAISAJE, NA VIBRACIÓN, PAISAJE-DURACIÓN (Festival de Roma 2012, BAFICI 2013, etc).
Presentación y coloquio a cargo del director

PAISAJE-DURACIÓN. ROCAS.
2011, 4 minutos 20 seg, color, 16:9
PAISAJE-DURACIÓN. CARRETERA.
2012, 4 minutos 10 seg, color, 16:9
Dirección, fotografía y montaje: Lois Patiño
Sinopsis: Aproximación sensorial al paisaje. En la contemplación profunda del paisaje los sentidos quedan alterados: una experiencia de sublimación. El espacio real se ve distorsionado, sufre una metamorfosis. La imagen del paisaje adquiere duración más allá de su materia.

NA VIBRACIÓN
2012, 12 minutos, color, 16:9
Dirección, fotografía y montaje: Lois Patiño
Colaboración: Carla Andrade
Sinopsis: Recorrido poético por un paisaje primitivo donde es posible observar los procesos de formación de la Tierra: campos de lava, volcanes, cataratas… todo es extremo en su violencia y tamaño. Estructurado en forma de díptico, la primera parte fija su atención en zonas volcánicas mientras que la segunda explora el espacio de una gran cascada, donde observamos la caída del agua en sus diferentes reacciones con la luz.
Festivales: Cineuropa 2011, Rencontres Internationales París-Madrid-Berlín 2012, Zinebi 2012.

EN EL MOVIMIENTO DEL PAISAJE
2012, 9 minutos, color, 16:9
Dirección, fotografía y montaje: Lois Patiño
Colaboración: Carla Andrade
Sinopsis: La figura humana, inmóvil, se sitúa en el interior de un paisaje que lo envuelve. No es un entorno estático sino que el paisaje nos va descubriendo sus cambios sutiles: la sombra del humo en la tierra, la niebla desvelando una montaña, un remolino en la arena. El hombre, de espaldas y paralizado, nos invita a contemplar, en intimidad y con detenimiento, los procesos de cambio en el espacio natural. La cámara también se queda quieta, es el paisaje lo que se mueve.
Festivales: Cineuropa 2012, Certamen Nacional de Arte “Pancho Cossío” de Santander (Primer Premio), Festival de Cine Latino de Tübingen.

MONTAÑA EN SOMBRA
2012, 14 minutos, color, 16:9
Dirección, fotografía y montaje: Lois Patiño
Colaboración: Carla Andrade
Sonido: Miguel Calvo “Maiki”, Erik T. Jensen
Música: Ann Deveria
Sinopsis: Mirada poética hacia la relación de inmensidad entre el hombre y el paisaje. Contemplamos, desde la distancia, la actividad de los esquiadores en la montaña     nevada. La imagen pictórica y la atmósfera oscura y onírica transforman el espacio en algo irreal, impreciso.
Festivales: Competición internacional “CinemaXXI” – Festival de Roma 2012, Cineuropa 2012, Festival de Oberhausen (Premio del Jurado del Ministerio para la Familia, Infancia, Juventud, Cultura y Deportes de Renania del Norte-Westfalia), FIDOCS 2013.

Lois Patiño (Vigo, 1983). Compaginó estudios de psicología en la Complutense de Madrid con los de cine en la escuela Tai. Continuó su formación de cine en la NYFA de New York y en el Master de Documental de Creación de la Pompeu Fabra. Sus vídeos y videoinstalaciones se han podido ver en centros de arte como el Georges Pompidou (París), MAXXI (Roma), Haus der Kulturen der Welt (Berlín), Museo Reina Sofía (Madrid), La Casa Encendida (Madrid), Fundación Caixa Galicia (A Coruña), MARCO (Vigo)…

Descanso a las 19.00 horas.
19,30 horas: A CICATRIZ BRANCA de Margarita Ledo

A CICATRIZ BRANCA
2012, 92 minutos, 1,85:1
Dirección y guión: Margarita Ledo
Fotografía: Pablo Cayuela
Montaje: Ramiro Ledo
Música: Abe Rábade
Reparto: Eva Veiga, Xavier Deive, Lino Braxe, Tamar Novas, Margarita Ledo, Mónica Camaño.
Sinopsis: En la primera mitad del siglo XX millares de mujeres salieron solas de Galicia hacia América. Muchas de ellas eran ilegales, con papeles que falsificaban su edad e incluso su identidad. Historias comunes como la de Merce, destinada a servir y, de la noche a la mañana, despedida. Sin lugar al que ir ni nadie a quien acudir, Merce pasa tres días y tres noches en la Estación Constitución donde su vida se enlaza con la de otras emigrantes. A la par de un trabajo en la fábrica Mil8, Merce se casa, asiste a clases de contabilidad en alguna de las Sociedades Gallegas y un día la norma se hace añicos por algo tan simple como quedar prendada de una situación que no sabe nombrar.
Festivales: Cineuropa 2012.

Margarita Ledo Andión (Castro de Rei, 1951) es una periodista, escritora y cineasta gallega. Desde 2008 es miembro de la Real Academia Galega. Dirigió los largometrajes Santa Liberdade (2004), Liste, pronunciado Líster (2007) y A cicatriz branca (2012).

“LA EXPANSIÓN DE LA GRÁFICA”

Disertaciones, reflexiones e intervenciones

Fecha: del 1 al 12 de Julio .

En el Seminario de Gráfica del presente año se ha invitado a varios artistas reconocidos en la materia para que desarrollen un seminario con base teórica complementado con varias propuestas prácticas en los que experimentar con los conceptos teóricos expuestos.

La propuesta presenta una reflexión sobre la situación actual del arte gráfico con acento en la experimentación de la imagen mediante las técnicas múltiples, y en la innovación de la expresión gráfica y su espacio en los tiempos actuales.

ARTISTAS INVITADOS:

Juan M. Moro, “Antropología de la expansión gráfica” del 1 al 3 de julio.

Ana Soler, “Gráfica de campo expandido” del 3 al 5 de julio.

Jesús Pastor Bravo y Chema Elexpuru, del 8 al 12 de julio de intervención conjunta.

INTERVENCIONES:

JUAN M. MORO

Juan M. Moro es Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y Licenciado en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Salamanca. Su dedicación al arte ha tocado muy diversas facetas dentro las de la creación artística, la investigación y la docencia. Ha recibido diversos premios entre los que destacan el Premio Nacional de Grabado de la Calcografía Nacional en 2000 y el Premio a la Innovación Gráfica en la II Bienal Iberoamericana de Cáceres en 2007. En 2001 representa a España en la XXIV Bienal Internacional de Arte Gráfico de Lujbliana, Eslovenia. Asimismo es autor, entre otros, de los libros: Ilustrar lo sublime (1996), Un ensayo sobre grabado (a finales del siglo XX) (1998), La ilustración como categoría: una teoría unificada sobre arte y conocimiento (2004) y Crítica de la razón plástica. Método y materialidad en el arte moderno y contemporáneo (2011).

ANTROPOLOGÍA DE LA EXPANSIÓN GRÁFICA

LINEAS DE REFLEXION Y TRABAJO:
1. Los conceptos de extensión y expansión en el arte y en las ciencias humanas. Instrumentalización de la obra expandida en los ámbitos de la imagen múltiple. Análisis crítico de los modelos retóricos y operativos posmodernos.
2. El concepto de expansión visto desde la estética de la experiencia. El continuo cuerpo-mente y el espectro de consciencia. Constantes antropológicas en la creación y en la percepción de obras de arte.
3. Repertorio y oportunidad en la práctica del grabado. Conocimiento y reconocimiento de la esencialidad técnica. Alteración y replanteo de los parámetros ordinarios de percepción y de trabajo en grabado. Ejemplos históricos, alternativas y propuestas.

Panóptico II, 2011

Impresión digital en papel montada sobre aluminio plegado 200 x 100 x 12

ANA SOLER:

Tras licenciarse y doctorarse en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, comienza a desarrollar su inquietud por el arte contemporáneo nutriéndose de otros centros formativos de Francia, Italia, Inglaterra, Canadá o Japón. Parte del grabado para desarrollar su investigación tanto teórica-conceptual como artístico-práctica en el campo expandido de la gráfica contemporánea. Profundiza y reflexiona sobre el concepto de huella entendido como elemento transmisor de semejanzas inversas en los procesos de generación y producción (vida/muerte, huella/matriz, positivo/negativo, visible/invisible, original/multiple). Propone un nuevo sistema de relaciones entre los opuestos y se expresa utilizando otras disciplinas como la fotografía, la escultura, el dibujo o la instalación.
Ana Soler invita a descubrir, desde sus diferentes piezas a través de un viaje espiral donde está siempre presente la dualidad de la mirada (nada es lo que parece), continente y contenido, el alma y la carne, causa y efecto, en definitiva unos juegos de opuestos con los que trabaja en un interminable encadenado de imágenes y palabras con las que construye su personal imaginario. Con exposiciones tanto en España y en el extranjero su obra está presente en diferentes colecciones como la Academia de España en Roma, MACUF, Mustang Art Gallery, Centro Huarte de arte contemporáneo y un sinfín de prestigiosos centros de arte.
Desde el año 2000 es profesora en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra de la Universidad de Vigo en España, dedicándose a la docencia y la investigación en el campo de las “Aplicaciones de las Nuevas tecnologías a la Gráfica Contemporánea”. Es co-directora del grupo de investigación “dx5, Digital and Graphic Art Research” financiado por el Ministerio de Innovación y Ciencia y la Xunta de Galicia.

Gráfica de Campo Expandido. Hacia otro concepto de gráfica para el siglo XXI. Del Arte Gráfico al Arte Contemporáneo Múltiple: La complejidad del pensamiento en la praxis artística actual.

El taller teórico-práctico se dedicará a la reflexión de la actualidad del arte gráfico. Partiendo del concepto de filosófico de “huella”, matriz-estampa, se analizará el principio básico de producción de una estampa original, la transmisión de semejanzas inversas de una unidad a través de la confrontación/contacto de contrarios, y las consecuencias adyacentes a este hecho. El bucle de la repetición y transformación en la producción de arte múltiple dentro del contexto tecno-industrial actual. Se potenciará la comprensión de la teoría de la complejidad en la estética de pensamiento como opción contemporánea viable para entender las derivas actuales y futuras en el mapa de la praxis de la gráfica del siglo XXI.

TEORÍA:

Hacer visible lo invisible. 2. Interacción Arte-Ciencia: Arte / Tecnología, Arte / Sociedad, Arte / Industria. 3. La magia de los contrarios, cuando los extremos se tocan. El contacto como transmisor de semejanzas inversas. 4. Grafica Actual y Arte Múltiple. Repensar el concepto de estampa original: grabar, dejar huella. La presencia de una ausencia la ausencia de una presencia. 5. Ana Soler: del “grabado” al arte contemporáneo: masculino-femenino, cóncavo-convexo, forma-contraforma, muerte-vida, interior-exterior, huella física-huella psíquica, la huella de lo intangible, cicatrices invisibles, oriente-occidente, público-privado, unidad-multiplicidad, causa-efecto. 6. Investigación en la frontera: Grupo dx5. Innovación en la metodología. Metodología creativa: Reflexión científico-técnica, Reflexión teórico-conceptual, Reflexión artístico-práctica.

TALLER PRÁCTICO:

Abrir la obra gráfica al arte contemporáneo: Romper límites: formatos, teorías, técnicas tradicionales, conceptos de autoría, difusión, consumo. Mirar a la sociedad actual, a la industria, a los problemas del arte. Lo múltiple ayer y lo múltiple hoy. Salir de la endogamia, la reducción de miras del “grabado”. Utilizar los puntos fuertes y más actuales de la gráfica (el original múltiple: reproductibilidad, accesibilidad, repetición-transformación) para crear obras de arte contemporáneo que respondan técnica y conceptualmente a la sociedad e industria.

Se trataría de un taller totalmente personalizado, donde es estudiarían los proyectos individuales presentados y se plantearía un trabajo nuevo donde exista un factor estable derivado de su trayectoria y una variable totalmente nueva / rompedora que abra nuevos caminos, planteamientos y producciones.

Ruidos de no olvido, 2012

Impresión rho y corte laser sobre diond de aluminio

serie de 5 unidades de 60 x 70 cm.

JESÚS PASTOR BRAVO:

Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Catedrático de Dibujo. Premio Nacional de Grabado, Premio Lucio Muñoz. Exposiciones en Círculo de Bellas Artes, Madrid. Arco, Madrid. Bassel 2010. Miami 2010. S.H. Contemporary Shan Gay, 2010. Colecciones y Museos: C.G.A.C.,  C.A.M.,  Fundación Coca Cola., Fundación Miró Palma de Mallorca., M.G.E.C., Escultura Contemporánea Renfe., Calcografía Nacional., etc.

Ovoide Azul, 2011

Aluminio lacado, 110 x 100 x 50 cm.

CHEMA ELEXPURU:

Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Profesor de la UPV/EHU. Becado por la Fundación BBK. Trabaja en la Fundación Miró (Palma de Mallorca), La Fundación Franc Maserel (Belgica), Taller H&H, Madrid. Ha expuesto en Francia, Alemania, EEUU, Holanda. Obra en el Museo BBAA de Bilbao, PAFA, Filadelfia. Corcoran Colecction, Washington. Calcografía Nacional, Madrid. Shouther Graphic, USA, etc.

Solera Gran Reserva, obra efímera 2005

Vidrio, cloruro férrico, matriz de cobre 80 x 20 cm.

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Considero que no es tan importante que la obra final pueda llamarse “grabado” o “estampa”, como que la forma de construcción SÍ LO SEA. Creo más interesante hacer, llamémosle “grabado”, que producir una “estampa”.
Por lo tanto en la definicion, se produce “el desplazamiento de la noción de categoría por el concepto de sistema”. Es posible pasar de la categoría al acontecimiento, aunque quizás ya no podría llamarse grabado (o un sinónimo), pero si se podría haber creado la imagen con y desde el grabado (o un sinónimo).

Considero necesaria la consciencia de que al ampliar el concepto de grabado, también expandimos los parámetros de su valoración. Si ampliamos la red hacia lugares cercanos al arte contemporáneo, el valor del juicio debe ser el del arte contemporáneo. Entonces la comparación no sería tanto con otros grabadores o grabados, sino con otras obras o artistas de otras disciplinas.

Quedaría concretar si gráfica se ha expandido hacia otros campos y ámbitos artísticos en un movimiento centrífugo de explosión, o bien si su movimiento ha sido centrípeto de implosión absorbiendo todo lo posible de otros ámbitos artísticos.

Este desarrollo lleva implícito la pregunta sobre la nueva identidad del grabado (o sinónimo) y sobre todo, si es necesario preguntarlo y encontrar una respuesta.

Siempre que se habla de grabado aparece el tema  de la multiplicidad, lo que inmediatamente sitúa la cuestión en un aspecto totalmente obsoleto e intranscendente desde la óptica de la creación. Esta capacidad siempre debe entenderse como la herencia de su función primera, que siendo  primordial para la difusión del conocimiento ha lastrado su potencialidad como medio de creación.
El grabado, como campo de trabajo artístico, abarca todo aquello que se deriva de su práctica, por lo que no resulta complicado definir el marco inicial. Partiendo de este principio todos y cada uno de los recursos y mecanismos que intervienen en el proceso de  creación son potencialmente elementos que configuran el territorio gráfico, desde la concepción y planificación de la obra, hasta su factura, contextualización, etc.…, todo lo que sucede, tangible e intangible, en ese espacio de tiempo, define los difusos límites del territorio gráfico.
Este  modelo de pensamiento, referido al grabado contemporáneo, difiere de lo que coloquialmente se entiende por obra gráfica, la utilización fragmentada de todos y cada uno de los elementos que componen el medio, sus recursos y sus características, derivan de una forma de pensar y actuar acorde con la contemporaneidad del arte.

INMERSIÓN EN EL TALLER DE GRABADO.

El grabado como punto de partida

¿Esto en lo que trabajamos es grabado? ¿A qué nos referimos cuando trabajamos desde le grabado? El taller de grabado como punto de partida para explorar el potencial creativo del entorno vital y tangible, el espacio de trabajo, en su integridad, como recurso  de creación.

PROGRAMACIÓN PARALELA:

Encuentros:

“Derivas, la gráfica contemporánea: dialogo y reflexiones ” Juan Moro / Ana Soler.
Miércoles 3 de julio. Sala House Cinema a las 19 horas, aforo abierto.

“La expansión de la gráfica hacia otros ámbitos artísticos: movimiento centrífugo o movimiento centrípeto ” Jesús Pastor / Chema Elexpuru
Miércoles 10 de julio. Sala House Cinema a las 19 horas, aforo abierto.

A quién va dirigido:

El taller va dirigido a artistas, profesionales y estudiantes iniciados en las técnicas gráficas, que deseen explorar y reflexionar en torno a la propuesta del seminario.

Inscripción:

Las personas interesadas en participar en el taller deberán adjuntar un breve currículum, con 5 imágenes de obra reciente, así como una breve idea de un proyecto a desarrollar durante el curso.
La solicitud se realizará a la Fundación Bilbao arte vía e-mail o correo ordinario.
Fecha límite 21 de Junio.
La admisión al curso se comunicará individualmente a través del correo electrónico.

Precio: 220€. Estudiantes y/o parados 150€.

La duración del taller será de 2 semanas del 1 al 12 de julio.
De lunes a viernes en horario de 10 a 14h y de 16 a 19h.

Máximo 12 participantes.
Los participantes deberán traer su propio ordenador portatil, así como un pendrive para intercambio de datos.

Al finalizar el curso se dará un certificado de participación.

Para más información sobre la programación del curso los interesados podrán dirigirse a:
bilbaoarte@ayto.bilbao.net / pilarvaldivieso@bilbaoarte.org

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La Fundación Bilbao Arte Fundazioa convoca dos becas para el desarrollo de
producción artística a desarrollar durante los meses de septiembre y octubre en
la ciudad austríaca de Bregenz.

La presente convocatoria tiene por objeto impulsar la producción de propuestas
individuales de artistas que hayan desarrollado proyectos en la Fundación
dentro del programa de becas en cualquier disciplina artística, con el
compromiso por su parte de ser llevados a cabo en los meses indicados.

Las becas cubrirán los puntos especificados a continuación:

- El viaje de ida y vuelta será sufragado por la Fundación Bilbao Arte
Fundazioa, que aportará también 1.000 € por proyecto seleccionado
para gastos de manutención.
El alojamiento y estudio, serán proporcionados por el Kunsthaus
Bregenz. (http://www.kunsthaus-bregenz.at)
- En Bregenz se facilitará un máximo de 1.000 € en material de
producción por cada uno de los proyectos

A QUIÉN VA DIRIGIDO:

A artistas que hayan desarrollado un proyecto como residentes de la Fundación
Bilbao Arte Fundazioa dentro del programa de ayudas a la producción artística,
hasta el año 2012, en cualquiera de sus modalidades.

DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR:

1. Propuesta del proyecto a realizar
2. Currículum vitae

PRESENTACIÓN DE SOLICITUDES:

Fecha límite de presentación: 24 de mayo de 2013.

Las solicitudes serán entregadas en la Fundación, o enviadas por correo postal o e-mail.

FUNDACION BILBAO ARTE FUNDAZIOA
Urazurrutia, 32 – 48003 – Bilbao
Tfno: 34.94.415.50.97
Fax: 34.94.415.61.93
info@bilbaoarte.org
www.bilbaoarte.org

El boceto es un lugar sin arte final porque nunca tuvo pretensión de vestimenta. Su sentido de la mecánica y su sencillez lo convierten en un motorcillo poético.

“En el taller crearemos un bestiario de apuntes, partiendo de un sencillo guión, démosle al esbozo un homenaje. Con qué ligereza el lápiz se mueve por la página en blanco cuando no hay compromiso… y qué soltura tienen los trazos si además, la idea que perseguimos encuentra su forma”, explica Villamuza.



Materiales que debes llevar: lápices, rotuladores, bolígrafos, pinceles, plumas… (los elementos que habitualmente utilizáis para bocetar ideas) y hojas sueltas, cuadernos, libretas…

Cuándo: 3 de mayo, de 16.00 a 20.00 horas.
Dónde: BilbaoArte ( Urazurrutia, 32. Bilbao ).

Matrícula: 35 euros ( Garabat: 94 479 23 84 ). Plazas limitadas.
Organizan: Garabat y Pencil Ilustradores.

Noemí Villamuza · Palencia (España) / 1971

Aficionada a dibujar y a despistarse en los estudios desde niña, es la mayor de cuatro hermanas.

Se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, donde le encontró el sentido profesional al dibujo: la ilustración. Su primer cuento, Óscar y el león de correos, editado por Anaya en 1998, fue Premio Nacional de Literatura Infantil en 1999.

Marcha a vivir a Barcelona -donde continúa residiendo- en 1998. Es entonces cuando inicia verdaderamente su trayectoria editorial. Hasta la fecha tiene publicados más de treinta títulos en el ámbito de la literatura infantil y juvenil.

En el año 2000 comenzó a compaginar la ilustración con la docencia, primero como profesora de ilustración experimental en la Escuela Superior de Diseño BAU y, desde hace siete años, impartiendo un postgrado de ilustración editorial en la Escuela Massana.

En 2002 fue finalista del Premio Nacional de Ilustración por De verdad que no podía, editado por Kókinos. Cuatro años después ilustró un hermoso texto de Ray Bradbury, de nuevo con Kókinos, Encender la noche.
Uno de sus más apreciados y reseñados trabajos ha sido Libro de Nanas con la editorial Mediavaca, obra con la que consiguió abrirse a un nuevo lenguaje gráfico y madurar su discurso de lápiz en blanco y negro.

En esta dirección destacan también El festín de Babette (Nørdica Libros), galardonado con el Premio Junceda al mejor libro ilustrado para adultos (2007), y Abcdario (también bajo el sello de Nórdica, en 2010), finalista del galardón al álbum mejor editado que concede el Gremio de Libreros de Madrid.

La Organización Española para el Libro Infantil (OEPLI) y el Ministerio de Cultura, en 2010, premiaron y utilizaron su propuesta de cartel para publicitar el Día Internacional del Libro Infantil.

Organizado por:

Exposición ESTACIONES, Colección BilbaoArte en el

Palacete del Embarcadero de Santander

Bilbao y Santander son dos ciudades vecinas y amigas cuyos Ayuntamientos apuestan por trabajar en proyectos comunes, para fomentar a través de la cultura y la comunicación un saludable movimiento ciudadano en ambas direcciones, y para ayudar a que se tiendan puentes en el sector privado que den lugar a oportunidades de trabajo para sus profesionales respectivos.

Por ello, ambas ciudades han firmado un acuerdo de colaboración con el significativo título de “SANTANDER-BILBAO, TAN CERCA”, que se materializa en un ambicioso programa de actividades culturales que tendrá lugar en Santander en abril de 2013 y al que se dará continuidad en Bilbao en 2014.

Una de las principales actividades del programa es la presencia en el inmejorable marco del Palacete del Embarcadero de Santander de la exposición “ESTACIONES”.

Esta muestra colectiva recoge una selección de obras de diversos artistas que a lo largo de los últimos doce años han desarrollado sus proyectos creativos en la Fundación Bilbao Arte, centro de producción y dinamización artística perteneciente al Ayuntamiento de Bilbao.

La Fundación Bilbao Arte es un equipamiento singular que presta a los jóvenes artistas los recursos necesarios (espacios de cesión, talleres, formación…) para poder materializar sus propuestas artísticas en las mejores condiciones posibles.
La exposición “ESTACIONES”, comisariada por Petra Joos (Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao) da testimonio de la obra de dieciséis artistas, seleccionados de entre los más de doscientos que a lo largo de su historia ha acogido la Fundación Bilbao Arte.

Organizada por la Fundación Santander Creativa, la Autoridad Portuaria de Santander y la propia Fundación Bilbao Arte, esta muestra convertirá el Palacete del Embarcadero en escenario de la colaboración cultural entre Santander y Bilbao.

En esta ocasión, se trata de manifestaciones artísticas que se presentan dentro de la exposición ESTACIONES, colección artística muy singular, integrada por obras, piezas y propuestas que fueron alumbradas en la  sede bilbaína.

Al estudiar el contenido artístico de Estaciones, estamos ante la lectura creativa y personal de su comisaria Petra Joos, Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao, persona de inusual clarividencia en el mundo del arte.

Ella ha sabido establecer el vínculo exacto sobre el recorrido de dieciséis “estaciones”, y por ende, de la trayectoria de dieciséis artistas representados con unas propuestas que nos recuerdan un pasado reciente, y ahora se  confrontan con el presente de sus autores para establecer reflexiones en torno a lo pasajero de la creación y el compromiso artístico de creación de  la obra.

Una verdadera interacción entre la obra y su autor, y entre la acción y el pensamiento, creándose un diálogo en torno a cuestiones de actualidad como son “la subjetividad preformativa”, “la construcción de ficciones” y “espacios de identidad”, extrapolándolos al SER del artista y a la aspiración propia que nos interpela hacia la participación en la naturaleza de Bilbao Arte.

El nombre de la exposición nos ayuda de manera clara a revivir el tiempo que los artistas han vivenciado durante su estancia en el centro y su rutina en el devenir del día a día en este período de tiempo.

Una Invitación

Ibone Bengoetxea

A lo largo de los últimos doce años, dos centenares largos de artistas han participado en el programa de becas que promueve la Fundación Bilbao Arte, en colaboración con la BBK. De las abundantes huellas que las personas becadas han dejado a su paso nace la colección de obras artísticas de la Fundación. Y de ese legado, como constancia visible de una experiencia artística única y seminal, surge esta exposición titulada Estaciones.

Estamos hablando de una colección artística muy singular, porque está integrada por obras, piezas y propuestas que fueron alumbradas en Bilbao Arte. Aquí se idearon y aquí se construyeron. Aquí adquirieron identidad y aquí permanecen como referencia del proceso creativo de cada una de las personas becadas que a lo largo de estos años han dado sentido, han sentido y forman parte de la historia de Bilbao Arte.

Son obras que para nosotros ofrecen un doble valor porque, siendo propuestas de valía por sí mismas, en ellas descansa la responsabilidad de relatar, es decir, de dar noticia, de cómo eran y en qué territorios se movían quienes las hicieron en ese tiempo en el que estuvieron aquí. En algún modo, nuestra historia está inscrita en todas y cada una de estas obras.

En cuanto al contenido concreto de esta exposición, Estaciones, estamos ante la lectura personal y creativa de su comisaria, Petra Joos, Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao. Y lo que Petra Joos ha propuesto, con riguroso criterio, es un recorrido a través de dieciséis obras. Dieciséis “estaciones”, dieciséis artistas representados a través de unas propuestas que emanan de un pasado reciente y que aquí y ahora se confrontan con el presente de sus autores para establecer una inteligente reflexión en torno a lo mutable de la creación y acerca del devenir de ese trayecto continuo que implica el compromiso artístico con la acción de crear.

Es, pues, algo más que una exposición. No se trata tan solo de mostrar esos recuerdos cargados con el significado de lo que representan sino, y no puede ser de otra manera en un espacio de creación artística, el pretexto de una nueva interacción entre las obras y sus autores, entre la acción y el pensamiento.

http://documents.scribd.com.s3.amazonaws.com/docs/7u0emq4ou81ls2xh.pdf?t=1337156366

Inauguración

Día: 15 de abril

Lugar: Palacete del embarcadero (Santander)

Hora: 19:30h

Más información:

http://www.fundacionsantandercreativa.com/web/

Con la colaboración de:

MIRAR ES TOCAR CON LOS OJOS

Con Mïrka Lugosi

Día: 17 de abril

Hora: 19:00

Lugar: ArtHouseCinema

Más info.: Habrá traducción simultánea al castellano.

En esta conferencia Mirka Lugosi presentará su carrera artística y su proceso de creación.

El estilo de Mirka Lugosi puede parecer despistante, tanto en su contenido como en su realización. Porque la impresión que su trabajo desprende nos lleva a un estado de éxtasis, de fantasía. Dan ganas de tocar su obra, incluso de adentrarse en su universo de sedas. Nutre su imaginaciónen el mundo de los sueños, desarrolla su propia forma de mirar el mundo de forma empírica y a la vez cambiante. Juega caprichosamente con las formas de la naturaleza, inspirándose en ella para transfigurarla. Nos invita a un viaje introspectivo que nos puede cambiar la visión que tengamos del mundo.

Mirka Lugosi abre las puertas al incosciente para ilustrar, grabar y fotografiar todas aquellas imágenes que habitan en él. Siendo la mujer uno de los elementos protagonistas de un universo que podriamos definir como surrealista.

Día: 12 de abril

Hora: 18:30h

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty
AÑO: 2000
DURACIÓN: 150 mins.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Jonas Mekas
GUIÓN: Jonas Mekas
MÚSICA: Auguste Varkalis
FOTOGRAFÍA: Jonas Mekas
REPARTO: Documental
PRODUCTORA: Jonas Mekas
GÉNERO: Documental. Biográfico. Cine experimental. Cine independiente USA.
SINOPSIS: Película-diario de 5 horas de duración llamada As I Was Moving Ahead, Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty (que significa: mientras avanzaba, ocasionalmente ví pequeños destellos de belleza), montado a partir de imágenes de distintas grabaciones acumuladas a lo largo de 50 años de su vida. Seleccionada por la versión española de la publicación Cahiers du Cinéma como una de las mejores películas de la década (2000-2009). (FILMAFFINITY)

Día: 11 de abril

Hora: 19:00h

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty
AÑO: 2000
DURACIÓN: 135 mins.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Jonas Mekas
GUIÓN: Jonas Mekas
MÚSICA: Auguste Varkalis
FOTOGRAFÍA: Jonas Mekas
REPARTO: Documental
PRODUCTORA: Jonas Mekas
GÉNERO: Documental. Biográfico. Cine experimental. Cine independiente USA.
SINOPSIS: Película-diario de 5 horas de duración llamada As I Was Moving Ahead, Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty (que significa: mientras avanzaba, ocasionalmente ví pequeños destellos de belleza), montado a partir de imágenes de distintas grabaciones acumuladas a lo largo de 50 años de su vida. Seleccionada por la versión española de la publicación Cahiers du Cinéma como una de las mejores películas de la década (2000-2009). (FILMAFFINITY)