Del 4 de julio al 3 de octubre de 2019 BilbaoArte proyecta en su Art House Zinema un nuevo ciclo de películas bajo el título «Miradas heterodoxas, relatos extraordinarios». Con entrada libre hasta completar el aforo.

Miradas heterodoxas, relatos extraordinarios

En una sociedad cada vez más franquiciada, globalizada y, en consecuencia, uniformada, quienes no asumen la corriente dominante se ven relegados a la invisibilidad. Lo que no se ve, no se conoce y, sobre lo que no se conoce no se puede decidir ni actuar. De hecho, lo desconocido no existe para el sujeto. Eso, en el arte cinematográfico ha sido una constante reiterada hasta la náusea. Las carteleras de medio mundo programan lo mismo y en el mismo tiempo. Las ciudades pierden identidad a golpe de propaganda y su programación audiovisual ahora se ve más inane y monopolizada que nunca.

Cuando los grandes cines, con aforos que superaban los mil asientos dieron paso a los multicines con salas familiares de menos de cien butacas, se pensó que la oferta cinematográfica crecería exponencialmente. Nada más lejos. A más salas menos títulos. Se ha impuesto la dictadura del éxito, el consumo de lo publicitado, el mainstream empeñado en difundir textos adocenados, digeribles, comerciales y ¿divertidos?

Este verano, la programación del Art House Zinema rinde homenaje al hacer de las distribuidoras independientes más empeñadas en divulgar ese otro cine que de no mediar impulsos como estos no llegaríamos a disfrutar jamás. Estamos ante una selección que cultiva un gusto especial por autores y obras de imposible encasillamiento. En consecuencia, la propuesta de la Fundación Bilbao Arte para el verano de 2019 invita a encontrarse con cineastas singulares como Hu Bo, Jindrich Polák, Nuri Bilge Ceylan, Jean Luc Godard, Lech Majewski, Apichatpong Weerasethakul, Nicolas Winding Refn, Serguei Paradjanov, Diao Yinan, Frederick Wiseman y Aleksei German a través de algunas de sus más singulares creaciones cinematográficas. Se trata de una propuesta abiertamente personal y nada convencional.

Es cine heterodoxo de creadores que desafían los modos canónicos, de artistas que no temen ser ninguneados porque su trabajo no conoce concesiones ni accede a rebajar sus planteamientos. Lejos de proponer un cine ligero y fácil, nos enfrentamos a películas de alta densidad, a quemarropa, sin  aliento. No será posible abandonar la sala en estado de indiferencia. Es cine que quema y raspa. Cine controvertido y apasionante. Cine para un verano intenso y sugerente. Un programa para públicos no acomodados.

Ciclo de cine: «Miradas heterodoxas, relatos extraordinarios»
Del 4 de julio al 3 de octubre

Jueves 4 de julio, 17:00

«An Elephant Sitting Still»
Hu Bo

2018, 234′, China

Título original: Da Xing Xi Di Er Zuo
Dirección, guion y montaje: Hu Bo
Director de fotografía: Fan Chao
Dirección artística: Xie Lijia
Sonido: Ren Yiming
Mezcla de sonido: Bai Ruizhou
Música: Hua Lun
Reparto: Wei Bu, Yu Cheng, Wang Jin y Huang Ling

Sinopsis

Al norte de China, una enorme ciudad posindustrial está sumida en una niebla perpetua que atrapa a sus habitantes. Una mañana, un simple altercado entre dos adolescentes de un instituto va a forjar el destino de cuatro individuos, victimas del egoísmo familiar y de la violencia social. Lo único que comparten es la misma obsesión recurrente: huir hacia la ciudad de Manzhouli, donde según dicen, un elefante de circo permanece sentado durante horas, inmóvil, impasible, ajeno a los problemas del mundo.

 

Hu Bo (China, 1988) obtiene su diploma de dirección cinematográfica en la Academia de Cine de Pekín en 2014. Por su cortometraje Distant Father, le conceden en 2014 el premio al mejor director en el Golden Koala Chinese Film Festival, y ese mismo año Night Runner es nominado al premio al mejor cortometraje en los Golden Horse de Taipéi. En 2017 Hu Bo participa en un taller bajo la supervisión de Béla Tarr en el Festival Internacional de Cine FIRST en China, durante el cual realizará el cortometraje A Man in the Well. Hu Bo es también autor de un libro de cuentos, Huge Crack (que precisamente contiene el relato «An Elephant Sitting Still»), así como de una novela, Bullfrog, ambos publicados en 2017. An Elephant Sitting Still, su primer largometraje, se estrena mundialmente en el Forum de la Berlinale en 2018, donde consigue la mención especial a la mejor opera prima y se lleva el premio FIPRESCI. En los meses siguientes cosecha varios premios del público en diferentes festivales, así como el premio del GNCR (Groupement National des Cinémas de Recherche, que apoya la distribución en salas francesas) en el FID de Marsella. Hu Bo se suicida al poco de haber terminado la posproducción de su largometraje.

Miércoles 10 y jueves 11 de julio, 17:30

«National Gallery»
Frederick Wiseman

2014, 180’, Estados Unidos

Género documental
Fotografía:
John Davey

Sinopsis

La National Gallery de Londres, uno de los mayores museos del mundo, alberga 2.400 pinturas que abarcan desde el siglo XIII hasta fines del XIX. Casi todas las experiencias humanas se encuentran representadas en esas pinturas. En distintas galerías, se muestran al público los programas educativos y a los estudiantes, científicos y restauradores estudiando, restaurando y organizando las exposiciones de la pinacoteca londinense. También se analizan las relaciones entre pintura y literatura.

Casi al comienzo de este documental de tres horas de duración que el veterano Frederick Wiseman ha dedicado a una de las grandes pinacotecas del mundo —realmente, ¿alguien puede acusar al metraje de excesivo con ese objeto de estudio, con todo ese universo a disposición de la cámara?—, una empleada en el equipo de gestión del museo —posiblemente vinculada al departamento de comunicación y prensa— intenta convencer a Nicholas Penny, director de la institución, de la necesidad de tener en cuenta la mirada y la opinión del público en futuras decisiones administrativas. Se plantea, así, un interesante tema de reflexión —la licitud de utilizar dispositivos espectaculares y populistas para la seducción frente a un tratamiento exigente y responsable del legado cultural—, pero, al mismo tiempo, la secuencia abre la puerta al centro del discurso de National Gallery, que no es otro que cuestionar la idea del museo como mausoleo de la Cultura para proponerlo como organismo vivo y espacio de diálogo entre el pasado y el presente. Wiseman muestra muchas cosas y levanta acta del funcionamiento complejo —y, a veces, problemático— de un espacio como la National Gallery, pero su mirada se complace en detenerse, reiteradamente, sobre el placer de los visitantes, asistiendo a estimulantes lecturas de pinturas emblemáticas, descifradas con contagiosa pasión por algunos de los guías del museo. Pinturas entendidas casi como películas potenciales —sensacional la lectura del Sansón y Dalila de Rubens como película de espías—, aguardando a ser proyectadas en la sala oscura de la mente del visitante.

Extracto de la crítica de Jordi Costa. Leer más >>

Miércoles 17 y jueves 18 de julio, 19:00

«El molino y la cruz»
Lech Majewski

2011, 92’, Polonia/Suecia

Título original: The Mill and the Cross
Guion: Lech Majewski, Michael Francis Gibson
Fotografía: Lech Majewski, Adam Sikora
Música: Lech Majewski, Józef Skrzek
Reparto: Rutger Hauer, Michael York, Charlotte Rampling

Sinopsis

“El camino al calvario”, la pintura del bel Pieter Bruegel, desmenuza la historia de La pasión de cristo en la región de Flandes bajo la brutal ocupación española de 1564. De entre las más de cien figuras que completan el lienzo de Bruegel, el film hace foco en la vida de algunos de estos personajes, entrelazando un paisaje popular que mezcla a gente de pueblo con jinetes de capa roja. El molino y la cruz invita al espectador a reconstruir, a partir de dibujos previos de Bruegel, el significado profundo de las escenas. Siguiendo los dibujos del pintor, se puede apreciar una historia de coraje, rebeldía, sacrificio y, actuando como un detective en un camino de pistas, desvelar un lenguaje lleno de símbolos.

El cuadro ha sido estudiado durante mucho tiempo por el historiador de arte Michael Gibson, y parece rebosar enigmas a los cuales no se encuentra solución. En el seno de estos, destacan estas cuestiones: ¿Por qué, en un paisaje del Renacimiento dar tanta importancia a un extraño molino situado en un peñasco? ¿Por qué el pintor escondió la figura de Cristo en el seno de una muchedumbre de campesinos?

El experto Michael Gibson aporta a esto algo de iluminación: “La marca de Brueghel consiste en utilizar la situación política del momento para relacionarla con la historia del Mesías, y no coger la historia de Cristo para condenar los abusos de los españoles”.

Jueves 1 de agosto, 19:00

«Sayat Nova»
Sergei Parajanov

1969, 79’, Armenia

Titulo original: Sayat Nova
Realización y guion: Serguei Paradjanov
Imagen: Suren Shakhbazian
Montaje: Maria Ponomarenko
Dirección artística: Stepan Andranikian y Mikhail Arakelian
Música: Tigran Mansurian
Reparto: Elkon Alekian, Sofiko Chiaureli, Vilen Galustian, Georgi Gegechkori, Hovhannes Minsasian, Medea Japaridze, Spartak Bagashvili y Grigori Margarian

Sinopsis

“Debo al menos decir cuatro palabras sobre la historia de Sayat Nova. Si no, se me reprochará. Sayat Nova explica en algunos cuadros instructivos la vida de un célebre poeta- trobador (“ashik”) llamado, justamente, Sayat Nova. Primero le vemos como un niño, luego como un joven poeta en la corte del rey de Georgia y después como un monje retirado en un convento. Finalmente, muere durante el saqueo de Tbilisi. Esto sucede en 1795”.

Serge Daney

Jueves 8 de agosto, 19:00

«Mysterious object at noon»
Apichatpong Weerasethakul

2000, 83′, Tailandia

Titulo original: Dokfa nai meuman
Directores de fotografía: Apichatpong Weerasethakul, Prasong Klimborron
Sonido: Teekadetch Watcharatanin, Sirote Tulsook, Paisit Phanpruksachat, Adhinan Adulayasis
Reparto: Kongkiat Khomsiri, Mesini Kaewratri, Phurida Vijitphan

Sinopsis

Recorriendo  de norte a sur las comunidades rurales de Tailandia, un equipo de rodaje va entrevistando a su paso a una serie de personas y las invita a ponerse delante de la cámara. Utilizando el juego del “cadáver exquisito”, cada personaje inventa sucesivamente las peripecias de un relato insólito: el de un niño paralítico con superpoderes y su profesora. Una fábula onírica en blanco y negro, un objeto fílmico misterioso, entre la ficción y el documental. La primera gran obra de Apichatpong Weerasethakul.

Apichatpong Weerasethakul nació en Bangkok en 1970 y creció en Khon Kaen, en el noreste de la Tailandia. En 1994, se inicia en la realización de cortometrajes y finaliza su primer largometraje en el año 2000. Es considerado actualmente como una de las miradas más originales del cine contemporáneo. Sus largometrajes y cortometrajes han sido reconocidos internacionalmente y han sido premiados con prestigiosos galardones: en 2010, gana la Palma de Oro en el festival de Cannes con Uncle Boonmee, recuerda sus vidas pasadas; en 2002, el premio Un Certain Regard en el festival de Cannes por Blissfully yours. En 2006, Síndromes y un siglo es la primera película tailandesa seleccionada en La Mostra de Venecia.

Miércoles 21 y jueves 22 de agosto, 19:00

«Black Coal»
Diao Yinan

2014, 106’, China

Título original: Bai ri yan huo
Guion: Diao Yinan
Música: Wen Zi
Fotografía: Dong Jingsong
Reparto: Liao Fan, Gwei Lun-Mei, Wang Xuebing, Yu Ailei, Wang Jingchun, Ni Jingyang

Sinopsis

En 1999, el policía Zhang Zili abandona el cuerpo tras la traumática muerte de dos de sus compañeros durante la investigación de un asesinato finalmente no resuelto. Cinco años después, el asesino vuelve a la carga, y Zhang, convertido ahora en un guardia de seguridad con problemas de alcoholismo, se plantea intentar capturarlo por su cuenta.

Cuando acaba Black Coal la sala se queda por un momento en silencio. No es para menos. Todos los espectadores están digiriendo el fulminante final que ofrece la cinta tras una hora y media apasionante y asombrosa. Hay una ligera duda, ¿qué acabamos de ver? No es el típico thriller, se salta todas las normas del género. Tiene algo de la narrativa confusa de Fincher, y también algo de la trampa y la sorpresa de Oldboy. Claro, que también tiene un protagonista que parece el Philipp Marlowe chino. Desde luego, lo único que sabemos es que Diao Yinan ha conseguido sorprendernos con su propuesta.

Extracto de la crítica de Miguel de la Asuncion en Cine maldito. Leer más >>

Jueves 29 de agosto, 18:00

«Qué difícil es ser un dios»
Aleksei German

2013, 170′, Rusia

Título original: Trudno byt’ bogom
Guion: Svetlana Karmalita, Aleksei German
Imagen: Vladimir Ilin, Yuri Klimenko
Sonido: N.Astakhov
Montaje: Irina Gorokhovskaya, Maria Amosova
Dirección artística: Sergei Kokovkin, Georgi Kropachev, E. Zhukova
Música: V. Lebedev
Reparto: Leonid Yarmonik, Aleksandr Chutko, Yuriy Tsurilo, Evgeniy Gerchakoy y Natalia Moteva

Sinopsis

Un grupo de científicos es enviado a Arkanar, planeta donde impera un régimen tiránico en una época que se parece extrañamente a la Edad Media.

Mientras los intelectuales y los artistas autóctonos son perseguidos, los investigadores tienen por obligación no interferir en el curso político e histórico de los acontecimientos. Desobedeciendo a sus superiores, el misterioso Don Rumata, a quien el pueblo atribuye poderes divinos, va a desencadenar una guerra por salvar a algunos hombres de la suerte que les ha sido reservada…

Aleksei German (Leningrado, 1938). Su padre, Yuri P. German, escritor soviético, “humanista” preciado, le convence para estudiar en el Instituto Teatral de Leningrado. Tras haber obtenido su diploma, German colabora con Georgy Tovstonogov, figura clave del teatro soviético de los años 50 y 60. En 1964, empieza a trabajar con Lenfilm, el estudio de cine más antiguo de la Unión Soviética, convertido en la cuna del cine de autor. En 1967 realiza junto a Girgori L. Aronov su primera película, Sedmoy sputnik. En 1977, dirige Dvadsat dney bez voyny. En 1984, German realiza su película más conocida, una nueva adaptación de una novela de su progenitor, Moy drug Ivan Lapchine, situada en los años 30. Para ganarse la vida, German escribirá guiones en colaboración con su mujer, Svetlana Karmalita. En 1988, durante su periodo más grande de inactividad cinematográfica, German conseguirá sin embargo, junto a Svetlana, dirigir los estudios Lenfilm, con el objetivo de promover la experimentación y los jóvenes realizadores. German producirá ocho largometrajes y también cortos y películas de animación. En el año 2000, el realizador, recompensado y reconocido, al fin, como uno de los grandes maestros del cine ruso, empieza a trabajar en Qué difícil es ser un dios, proyecto épico inspirado en la célebre novela homónima de los hermanos Strugatski y que dará lugar a trece años de intenso trabajo. Aleksei German muere en 2013. La película sería acabada por su compañera Svetlana Karmalita y su hijo Aleksei A. German.

Jueves 5 de septiembre, 19:00

«Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine»
Jean-Luc Godard

1986, 92’, Francia/ Suiza

Título original: Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinema
Reparto: Jean-Pierre Léaud, Jean-Pierre Mocky, Marie Valera, Caroline Champetier y los parados de la A.N.P.E

Sinopsis

Se dice del cine que es una fábrica de sueños… Por el  lado de los sueños encontramos a un cineasta, Gaspard Bazin, que prepara su próxima película y organiza castings para elegir a los figurantes. Por el lado de la fábrica hallamos a Jean Almereyda, un productor venido a menos y al que le cuesta cada vez más conseguir financiación para arrancar sus negocios. Entre los dos se sitúa la enigmática Eurydice, la mujer de Almereyda, que quiere ser actriz. Mientras Almereyda arriesga su vida para financiar la película, Gaspard elige a Eurydice como protagonista.

 

En 1984, el productor, director y actor Pierre Grimblat propone a la cadena TF1, entonces la cadena pública de televisión más importante de Francia, realizar un homenaje a la “Serie Negra”, la colección de novelas policíacas que fundó Marcel Duhamel en la editorial Gallimard, en 1945. La productora de Grimblat, Hamster Films, pondrá en marcha un total de 37 películas que serán emitidas en prime time y que contarán con reputados directores. Godard adapta la novela policíaca ‘The Soft Centre’, escrita por James Hadley Chase. La película se emitió una sola vez en televisión, el 24 de mayo de 1986 a las 20:30 horas, y nunca se estrenó en cines.

En “Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine”, pese a tratarse de un encargo, Jean-Luc Godard trasciende el género policíaco y la mera adaptación literaria para abordar el delicado futuro del cine a manos de la omnipotencia de la televisión. La restauración de la película en DCP ha sido posible gracias a la supervisión de la multipremiada directora de fotografía Caroline Champetier, que ha trabajado conJean-Luc Godard, Jacques Rivette, Chantal Akerman, Arnaud Desplechin o Léos Carax

Crítica en FilmAffinity. Fuente >>

Miércoles 11 y jueves 12 de septiembre, 18:00

«Érase una vez en Anatolia»
Nuri Bilge Ceylan

2011, 158’, Turquía

Título original: Bir zamanlar Anadolu’da (Once Upon a Time in Anatolia)
Guion: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Ercan Kesal
Fotografía: Gökhan Tiryaki
Reparto: Muhammet Uzuner, Yilmaz Erdogan, Taner Birsel, Ahmet Mumtaz Taylan, Firat Tanis, Ercan Kesal, Erol Erarslan, Ugur Aslanoglu

Sinopsis

En el corazón de las estepas de Anatolia, un asesino intenta guiar a un equipo de policías hasta el lugar donde enterró al cuerpo de su víctima. En el curso de este viaje, una serie de pistas sacarán la verdad a la superficie…

Antes de empezar quiero decir que escribir sobre Érase una vez en Anatolia supone para mi un reto considerable. Por ello y con el objetivo de ordenar conceptos, me siento obligado a empezar este artículo contextualizando un poco el estilo de cine del que me dispongo a hablar. La forma más acertada que se me ocurre de describir el último trabajo de Nuri Bilge Ceylan es decir que puede definirse como una película que posee dos características muy específicas y claramente distintivas de su estilo. La primera es que no hablamos de un trabajo cuya tesis pueda pronunciarse en una sola palabra, sino que nos referimos a una reflexión trascendental de conclusiones ambiguas más centrada en plantear preguntas que en ofrecer respuestas. La segunda, que Érase una vez en Anatolia es una de esas obras artísticas cuyo significado no lo encontramos durante su visionado, sino que lo descubrimos en las sensaciones que esta nos produce al recurrir a nuestra memoria minutos después de la experiencia. O dicho de otro modo, nos damos cuenta del auténtico valor de lo experimentado cuando la aventura ha concluido.

Extracto del comentario de Martí Sala en Cine Maldito. Leer más >>

Jueves 26 de septiembre, 19:00

«The Neon Demon»
Nicolas Winding Refn

2016, 117’, Francia

Título original: The Neon Demon
Guion: Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham 
Música: Cliff Martinez (Canción: Sia)
Fotografía: Natasha Braier
Reparto: Elle Fanning, Karl Glusman, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Desmond Harrington, Christina Hendricks, Keanu Reeves

Sinopsis

Jesse es una chica que llega a Los Angeles, California, para hacer su sueño realidad: convertirse en supermodelo. Pero su juventud y belleza despertará un mal demoníaco, y se verá atrapada en un peligroso mundo de envidias y celos en el que las demás modelos están dispuestas a todo para triunfar.

Hay películas que a primera vista parecen execrables. Si le contamos a alguien el argumento de Rojo profundo (1975), por ejemplo, puede que nunca se decida a verla. Imagínense: un pianista y una periodista se unen para investigar una serie de crímenes que suceden en Roma y que la película nos muestra con todo lujo de detalles sádicos, en lugares tan tópicos del cine de terror como un caserón abandonado o el apartamento de una mujer que vive sola y a la que el asesino sorprende al anochecer. Pues bien, no les menciono esta película de Dario Argento porque sí, sino porque no he podido evitar recordarla al empezar a pensar en The Neon Demon, el último trabajo de Nicolas Winding Refn. Creo sinceramente que existe una línea sucesoria que parte del manierismo colorista de las horror movies de los 60 y 70, de Roger Corman a Mario Bava, y concluye por ahora en este film sangriento y atormentado, tras pasar por ciertos materiales de David Lynch. De hecho, si le contamos a alguien el argumento de Inland Empire (2006), puede que tampoco la quiera ver jamás. Y eso une a todas estas historias, aparte –claro está— de algo quizá más oblicuo pero no por ello menos sustancioso:  en The Neon Demon, como en La máscara de la muerte roja (1964) o Seis mujeres para el asesino (1964), el estilo se convierte progresivamente en un animal furioso que acaba devorando a los personajes y a la trama, apoderándose de la película hasta convertirla en una serie más bien monstruosa de masas, volúmenes y manchas de colores.

Extracto del comentario de “Formas monstruosas” por Carlos Losilla. Leer más >>

Jueves 3 de octubre, 19:00

«Ikarie XB 1»
Jindřich Polák

República Checa, 88′, 1963

Título original: Ikarie XB 1
Guion: Jindřich Polák y Pavel Juráček, basado en el libro de Stanislaw Lem La nube de Magallanes (Obłok Magellana)
Montaje: Josef Dobřichovský
Dirección artística: Jan Zázvorka
Música: Zdeněk Liška
Reparto: Zdeněk Štěpánek, Radovan Lukavský, Dana Medřická, Miroslav Macháček, František Smolík y Jiří Vršťala

Sinopsis

En la segunda mitad del siglo XXII, a bordo de la nave espacial Ikarie XB 1, una tripulación se dirige hacia la constelación Alfa Centauri para buscar en ella una nueva forma de vida extraterrestre. Aunque el viaje no dura más que 28 meses, cuando la misión llegue a su destino, en la Tierra ya habrán pasado quince años. Durante el viaje, cuarenta científicos de todos los países aprenden a vivir juntos y afrontan varias peripecias, entre ellas el encuentro con un aparato espacial del siglo XX, la inestabilidad mental de uno de los pasajeros y la aparición de síntomas ligados a una “estrella negra” radioactiva.

Jindřich Polák (Praga, 1925). Rueda su primer largometraje, Smert v sedle (1958), una película de aventuras que mezcla romanticismo y suspense policíaco. El éxito de público impone a Polák como un director que se siente a gusto tanto en el cine para niños como en el cine de género. La seriedad con la que aborda el género policíaco le vale a Páté oddelení (1960) el ser elegida mejor película del año por el público.

Polák tiene pues carta blanca para rodar su película de ciencia-ficción Ikarie XB 1 (1963). La crítica y el público checoslovacos no acaban de comprender el proyecto, pero Polák gana el Asteroide de Oro en el festival de cine de ciencia-ficción de Trieste e Ikarie XB 1 es inmediatamente vendida a cuarenta y dos países. Ese mismo año, Klaun Ferdinand a raketa (1962), rodada en los mismos decorados y con parte del vestuario de Ikarie XB 1, le vale el premio de la crítica en el festival de Venecia.

Activo hasta los setenta y cuatro años, Jindřich Polák habrá sido uno de los principales directores checos, si no el principal, entre los que trabajaron exclusivamente dentro de los límites de los géneros considerados menores y comerciales, y habrá dejado tras de sí obras que han resistido al paso del tiempo. Muere en 2003.