Ciclo de cine: Ingmar Bergman

“Harriet Andersson es uno de los genios cinematográficos. Uno sólo encuentra algunos raros ejemplares resplandecientes en los tortuosos caminos de la jungla cinematográfica.” – Ingmar Bergman

Esta película, que puso a Bergman en el punto de mira de la crítica francesa, tal vez no sea una de las más conocidas ni más representativas del director, pero sí de las más influyentes. Un verano con Mónica nos muestra la historia de Harry (Lars Ekborg) y Mónica (Harriet Andersson), dos jóvenes que huyen de sus frustrantes vidas para emprender un camino juntos; movidos por el amor y el éxtasis fugaz de un verano en el que todo es posible y, por lo tanto, quizás no todo salga como planeaban.

Pronto la gran presencia y sensualidad de Andersson se adueñan de la cámara. Parece existir una especie de acto amoroso en cada gesto, en cada movimiento, que se vuelven el epicentro del filme. El primer título importante en la carrera interpretativa de la actriz, Un verano con Mónica nos ofrece sin artificio alguno una oda amarga y descarnada al atardecer de la juventud.

Inspirada en la filosofía nórdica, esta película es el resultado de una profunda reflexión acerca del deseo sexual, los remordimientos y la debilidad humana, aspectos que Ingmar Bergman iría convirtiendo en las señas de identidad de su obra.

Albert (Åke Grönberg) es el propietario de un pequeño circo venido a menos acuciado por problemas económicos. Tras haber abandonado a su esposa e hijos tiempo atrás, ahora convive con Anne (Harriet Andersson), una joven y voluptuosa amazona. Sin embargo, ese modo de vida ya no le satisface y busca el modo de regresar con su familia.

Una de las películas más amargas y desencantadas de Bergman, en la cual describe en un tono lúgubre y opresivo la fragilidad de las relaciones humanas en un relato de poderosa vertiente existencial.

Aunque los dramas sentimentales son un tema frecuente en la filmografía de Bergman, el director sueco intenta que no queden en un simple muestrario de conflictos que los personajes han de superar, sino que éstos se nos aparezcan de carne y hueso, con hondura y profundidad. Con ese estilo austero y distante que lo caracteriza, Bergman nos muestra en cada mirada, en cada gesto, el profundo interior que esconde cada ser humano con inigualable maestría.

Así sucede con Sueños, dos cuentos breves y amargos unidos por un vínculo común: dos protagonistas que mantienen una relación profesional. Doris (Harriet Andersson) es una modelo muy joven y algo atolondrada; su jefa Susanne (Eva Dahlbeck), más madura, trata de aferrarse a una juventud que se le escapa. Para realizar un trabajo ambas deben viajar a otra ciudad, donde cada una vivirá su aventura personal hacia la nada.

Encantadora comedia de costumbres que reúne en una casa de campo a una serie de parejas, exparejas y parejas en ciernes, todas ellas participantes de un juego de amor durante un fin de semana del verano de 1900.

Finales del siglo XIX. En una pequeña ciudad de Suecia, Fredrik Egerman (Gunnar Björnstrand) es un abogado que vive un matrimonio platónico con Anne (Ulla Jacobsson), su virginal esposa. Henrik, hijo de un matrimonio anterior, persigue a Petra (Harriet Andersson), la doncella de la familia. Una actriz llamada Desirée (Eva Dahlbeck), antigua amante de Fredrik, está en la ciudad y él la visita. Ahora ella tiene un nuevo amante, el Conde Malcolm, casado con Charlotte. Todos están invitados a celebrar una fiesta durante un fin de semana en la propiedad de la madre de Desirée.

Bergman explora virtualmente todo el espectro del amor humano, desde la adoración de juventud hasta la benevolencia fraternal, desde la pasión neurótica y rencorosa a la indulgencia de los apetitos, desde el capricho infantil a la resignación de la vida adulta… Al principio de la película, los hombres tienen orgullo e ilusiones, pero, antes del fin de esta misteriosa noche de verano, serán las mujeres las que posean a los hombres.

El verano sueco es corto e intenso y Bergman responde a ese fenómeno, resaltando el modo en que la luz y el calor traen el abandono sexual y el amor febril antes de que el invierno vuelva a sumir a sus personajes en la introspección y la desilusión.

El séptimo sello está considerado un clásico del cine universal y una de las mejores películas de todos los tiempos. Coronó a Bergman como un director de renombre a nivel internacional, mediante escenas que con el tiempo se han ido convirtiendo en iconos, debido a los numerosos homenajes, análisis y parodias que se han realizado de estas.

Basado en la Suecia medieval del sigo XIV, en tiempos de la Peste Negra, cuenta la historia de un caballero (Max von Sydow) atormentado por las dudas que vuelve a su castillo tras diez años de batalla inútil en las Cruzadas, donde la Muerte (Bengt Ekerot) aparece reclamándolo. Esperando obtener conocimientos antes de morir, el caballero reta a la Muerte a una partida de ajedrez. Mientras juegan, el caballero observa escenas de crueldad y sufrimiento que recuerdan a las torturas e injusticias sufridas por Alyosha según Iván Kamarazov. Si bien las imágenes y los presagios del film son medievales, el subtexto filosófico es moderno, existencial y a la par erótico, añadiéndole tensión e incluso una sensación de tormento.

El título hace referencia al pasaje del Apocalipsis que da comienzo a la película: “Y cuando el Cordero rompió el séptimo sello del rollo, hubo silencio en el cielo durante una media hora.”

Fresas salvajes gira en torno a una eminencia en el campo de la medicina, el profesor Isak Borg, interpretado por Victor Sjöström, al que le conceden el título de doctor honoris causa por su jubilación. En el camino hacia la conmemoración, los sueños, la metafísica y filosofía se irán entremezclando en la trama mientras diferentes encuentros con personas, tanto allegadas a él como no, irán dando significado a su existencia a través de bellas imágenes y sentimientos muy profundos.

Está considerada como una de las cintas más emocionales y optimistas del director sueco, que trata temas tan humanos como la soledad, la vida, la muerte, el sentido de la vida, las relaciones humanas, el amor o el perdón.

Destaca la interpretación del actor, guionista y también director sueco Victor Sjöström que de una manera tan delicada y profunda nos cuenta la historia de Isak. En palabras de Bergman: “Victor Sjöström me había arrebatado mi texto y lo había convertido en algo de su propiedad, había aportado sus experiencias: su propio sufrimiento, misantropía, marginación, brutalidad, tristeza, miedo, aspereza, aburrimiento. Había ocupado mi alma en forma de mi padre e hizo de todo mi propiedad.” Fresas salvajes fue la última película en la que participó Sjöström, quien murió tres años después, en 1960.

El rostro nos cuenta la historia de un misterioso mago llamado Emanuel Vogler (Max von Sydow), de viaje con su pequeña compañía teatral por la Suecia de mediados del siglo XIX. Cuando llegan a una pequeña población, los poderes fácticos de la localidad querrán poner a prueba las presuntas habilidades del mentalista y organizarán un experimento público.

Esta trama de estructura teatral y atmósfera tenebrosa, que recuerda al expresionismo alemán, lleva al director a reflexionar sobre temas habituales en su obra, como el dilema de la apariencia, la verdad o la muerte. Al mismo tiempo se establecen en el argumento las confrontaciones entre la razón y la ciencia, entre lo explicable y lo inexplicable, entre lo visible y lo invisible; posturas contrapuestas que se ejemplarizan en los personajes del Dr. Vergerus y el Dr. Vogler, respectivamente.

Una de las películas de Bergman menos reivindicadas por la crítica que, sin embargo, el sabio manejo de la puesta en escena y la excelente labor de todo el reparto convierten en un notable trabajo dentro de la extensa filmografía del maestro sueco.

Siglo XII. Herr Tore (Max Von Sydow) y Mareta Tore (Brigitta Valberg) forman un piadoso matrimonio que ha enviado a Karin (Brigitta Pettersson), su inmaculada hija, a llevar velas a la virgen. En su camino, la joven atraviesa un bosque donde se encuentra con tres pastores de aviesas intenciones.

Ingmar Bergman, con la colaboración en el guión de Ulla Isaksson, adoptó en este film un poema medieval sueco, articulando la trama con base en una serie de contrastes al ubicar la historia de venganza y pérdida de inocencia en la unión cercana entre el bien y el mal, la perversión y la pureza, la candidez de una vida de ensueño y la cruda realidad.

El manantial de la doncella es un film con grandes interpretaciones, como es costumbre en los títulos de Bergman, ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

Karin, su marido Martin, su padre y su hermano pequeño pasan las vacaciones en una isla. David, el padre, es un escritor viudo que desde que murió su esposa se ha ocupado más de su carrera que de sus hijos. Los deberes han recaído en Karin, que dejó atrás un ligero trastorno mental y se casó con Martin, uno de los médicos del sanatorio. Durante las vacaciones, la enfermedad mental de Karin regresa. Esta le confía la situación a su hermano pequeño, explicándole que se siente irresistiblemente atraída por una voz que la llama insistentemente a través de una pared del desván.

Bergman nos enfrenta al abismo del vacío existencial con este excepcional y desasosegante drama en el que trata de profundizar en la necesidad del individuo de tener certezas espirituales para no caer al pozo de un mundo grotesco y sin sentido.

El título se enlaza con un fragmento de una carta de San Pablo a los Corintios: “Pues ahora vemos de un modo oscuro, como en un espejo; pero entonces veremos cara a cara. Ahora conozco sólo de modo fragmentario; pero luego conoceré así como soy conocido.”

La cinta, la primera que Bergman rodó en la isla sueca de Fårö, ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

Esther, su hermana Anna y su pequeño sobrino Johan viajan en tren por un país en guerra, oscuro y extraño, de camino a casa. Cuando el estado de Esther, que está enferma, empeora, se ven obligadas a parar en la ciudad de Timoka. En esta ciudad ficticia, de atmósfera opresiva e idioma extraño, solo los tanques de guerra y las sirenas les avisan de la situación. La hermanas tienen una relación a medio camino entre el odio exacerbado y la dependencia patológica, de la que el pequeño Johan es testigo. En un hotel esperan el momento adecuado para reanudar el regreso, mientras Esther intenta trabajar y Anna sale en busca de sensaciones que la distraigan de su angustia.

El silencio es una de las películas más minimalistas de Bergman, una pieza de cámara con pocos personajes, diálogos y escenarios que profundiza en temas como el vacío existencial, la enfermedad, el odio, los celos, el rencor o la muerte. Debido a su contenido erótico, bastante explícito para la época, el filme fue censurado en diversos países, entre ellos España, donde no se pudo ver hasta bien entrada la década de los setenta.

Persona relata la historia de dos mujeres dispares ligadas por del destino. Elisabeth Vogler (Liv Ullman) es una prestigiosa actriz de teatro que de un día para otro pierde la voz. Tras ingresar en un hospital, los médicos no encuentran causa alguna de su silencio, por lo que será enviada a una villa situada junto al mar con su enfermera Alma (Bibi Andersson) que estará a cargo de sus cuidados. Es de este modo que comienza a gestarse entre ellas una relación de amistad que conducirá el lazo entre ambas mujeres a un escenario cada vez más complejo.

Bergman escribió el guión de esta película durante una de sus estancias en un hospital. En ese estado de mente febril y crisis anímica, y también de desconexión total, Bergman pudo elaborar una película que pretendía rodar con total libertad. El resultado es una cinta marcada por la problemática constante de la búsqueda y la construcción de identidad. Catalogada como uno de sus trabajos más controvertidos, esta película llegó a situar a Bergman como uno de los cineastas con mayor dominio y entendimiento respecto a temas concernientes al comportamiento humano.

La hora del lobo es, tal y como señala su protagonista, esa hora del día en la que más gente muere y más niños nacen, aquella en la que los sueños se tornan en pesadillas.

Johan (Max von Sydow), un pintor, y su mujer Alma (Liv Ullman) llegan a una isla desierta, un ámbito de tranquilidad que sirva como válvula de escape a sus problemas. Sin embargo, al caer la noche, las fisuras de su relación se hacen patentes: él vive atormentado por su pasado, cuyos secretos ella descubre clandestinamente al leer su diario y revisar su cuaderno de bocetos. Ambos empiezan a confesar sus secretos más íntimos, lo que origina la aparición de una serie de personajes, a cuál más inusual, que los traslada literalmente a los terrenos de lo liminal, resultando difícil separar lo real de lo imaginario. Se trata de sujetos excéntricos, burgueses, cuya maldad se asemeja a los vampiros, y que Bergman denomina antropófagos.

Con La hora del lobo, desconcertante y atrayente, el cineasta se adentra de manera magistral en el género del horror psicológico, a partir de un proceso creativo, una estética propia y una forma completamente diferente de presentar el miedo.

Jan (Max von Sydow) y Eva (Liv Ullmann) son una pareja de músicos que se traslada a una apartada isla para huir de la guerra civil que asola a su país. Allí se creen a salvo, pero el conflicto bélico no tardará en llamar a sus puertas.

Sórdida y desgarrada, La vergüenza supone para el director un ejercicio de autocrítica, pues profundiza en la incapacidad del artista a la hora de hacer frente a los problemas reales del mundo. Fue la respuesta de Bergman a quienes lo consideraban un cineasta en exceso metafísico y despreocupado con respecto a la realidad política de su tiempo.

Tras separarse de su mujer, Andreas Winkelman (Max von Sydow) vive retirado en una apartada isla del Báltico. Su retraimiento hacia el mundo no impedirá, sin embargo, que conozca allí al matrimonio de Elis (Erland Josephson) y Eva (Bibi Anderson), una pareja de artistas que está en plena desintegración; y a Anna (Liv Ullmann), una joven e inestable viuda, unidos por el dolor de la pérdida y la desconexión emocional. Mientras tanto, actos de crueldad animal se van sucediendo en la comunidad de la isla.

Los personajes de este crudo drama padecen una misma enfermedad: la vida. Llena de diálogos para reflexionar, Bergman vuelve a indagar en la angustia que produce la insatisfacción existencial, y solo halla en el retiro voluntario una salida que atenúe sus consecuencias. Salida que el propio cineasta tomaría durante los últimos años de su vida, cuando decidió vivir solo y apartado del mundo en la isla de Fårö, lugar en el que está filmada la cinta.

“Todas mis películas se pueden pensar en blanco y negro, excepto Gritos y susurros. La primera imagen siempre volvía: la habitación roja y las mujeres vestidas de blanco. Cuatro mujeres vestidas de blanco en una habitación roja. Se movían y se hablaban al oído, y eran extremadamente misteriosas… El color rojo es el color del alma humana.” – Ingmar Bergman

Karin (Ingrid Thulin) y Maria (Liv Ullman) son dos hermanas que acuden a la mansión familiar para cuidar de su otra hermana, Agnes (Harriet Andersson), que se encuentra gravemente enferma a causa de un cáncer. Pero los respectivos problemas conyugales y egoístas comportamientos de las hermanas provocan que la única presencia reconfortante para la enferma sea la de la maternal y religiosa Anna (Kari Sylwan), sirvienta personal de Agnes, que ha sufrido la reciente pérdida de su pequeña hija.

Su estreno constituyó uno de sus mayores éxitos de crítica y público en nuestro país. Feroz diatriba sobre la muerte y la incomunicación, sobre el valor de la vida y las convenciones sociales siempre castradoras, es una de esas películas difíciles de olvidar.

Charlotte (Ingrid Bergman), famosa concertista de piano, es invitada por su hija Eva (Liv Ullmann), a la que no ve desde hace siete años, a pasar unos días con ella y su marido Viktor (Halvar Björk) en la vicaría rural en la que residen. Allí también se encuentra Helena (Lena Nyman), hija menor de Charlotte, quien padece una grave enfermedad degenerativa. Después de tantos años, Charlotte decide ir a visitarlos, pero el encuentro pronto se convertirá en un tenso duelo entre madre e hija.

A partir de una destructiva relación materno-filial, el director profundiza en temas como el aislamiento emocional del artista, la incapacidad de amar de algunas personas, el resentimiento, la enfermedad o la muerte. Bergman vuelve a diseccionar todo aquello que conforma el lado más insoportable y amargo de la existencia humana en este crudo y desalentador drama que constituye una de las obras esenciales de madurez del cineasta sueco.

En 1969, Bergman hizo un sorprendente documento directo y político sobre la importancia de la pequeña isla de Fårö, situada en el mar Báltico, escenario de varias de sus películas y lugar frecuente de reposo donde elaborar los guiones de futuros filmes.

Diez años más tarde, decidió echar un segundo vistazo a la situación en la isla en este documental homónimo al de 1969. Entretejiendo escenas de extraordinaria belleza con entrevistas y rigurosas secuencias representando las tareas diarias, las costumbres y rituales en Fårö, Bergman desarrolla un complejo, subestimado y amoroso retrato de su pequeña isla.

Peter y Katarina Egerman forman un matrimonio acomodado que aparentemente se lleva bien: él, hombre de negocios; ella, directora de una casa de modas. Pero en una convivencia más profunda, hay incomunicación: desde hace un par de años Peter tiene un sueño recurrente en el que mata a su mujer.

Después de que Peter cometa un horrible crimen en su primera aparición, el resto de la película se convierte en una investigación policiaca narrada en forma semidocumental, donde se va reconstruyendo el inquietante retrato del asesino, un hombre frustrado, sobre todo por el fracaso de su matrimonio, cuya única válvula de escape parece ser la violencia.

Este filme, uno de los últimos de Bergman, crea un clima sórdido y opresivo a través del cual su director desarrolla sus tradicionales obsesiones. Una de sus obras mayores, en la que se centra en el lado más oscuro de la existencia.

Fanny y Alexander es una historia de familia. Ambientada en la Suecia de 1907, la película nos hace testigos de los placeres y conflictos de los Ekdahl, una familia burguesa de principios de siglo, a través de los ojos de dos niños: Fanny y Alexander.

Ojos que son los del propio Bergman recuperando ese mundo perdido “de luces, de aromas, de sonidos” de su infancia. El director anunció que se retiraba del cine con esta película, que supone un memorable compendio de todos los temas e inquietudes que recorren su filmografía. Es de agradecer, sin embargo, que no cumpliera su palabra.