«LA EXPANSIÓN DE LA GRÁFICA»
Disertaciones, reflexiones e intervenciones
Fecha: del 1 al 12 de Julio .
En el Seminario de Gráfica del presente año se ha invitado a varios artistas reconocidos en la materia para que desarrollen un seminario con base teórica complementado con varias propuestas prácticas en los que experimentar con los conceptos teóricos expuestos.
La propuesta presenta una reflexión sobre la situación actual del arte gráfico con acento en la experimentación de la imagen mediante las técnicas múltiples, y en la innovación de la expresión gráfica y su espacio en los tiempos actuales.
ARTISTAS INVITADOS:
Juan M. Moro, “Antropología de la expansión gráfica” del 1 al 3 de julio.
Ana Soler, “Gráfica de campo expandido” del 3 al 5 de julio.
Jesús Pastor Bravo y Chema Elexpuru, del 8 al 12 de julio de intervención conjunta.
INTERVENCIONES:
JUAN M. MORO
Juan M. Moro es Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y Licenciado en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Salamanca. Su dedicación al arte ha tocado muy diversas facetas dentro las de la creación artística, la investigación y la docencia. Ha recibido diversos premios entre los que destacan el Premio Nacional de Grabado de la Calcografía Nacional en 2000 y el Premio a la Innovación Gráfica en la II Bienal Iberoamericana de Cáceres en 2007. En 2001 representa a España en la XXIV Bienal Internacional de Arte Gráfico de Lujbliana, Eslovenia. Asimismo es autor, entre otros, de los libros: Ilustrar lo sublime (1996), Un ensayo sobre grabado (a finales del siglo XX) (1998), La ilustración como categoría: una teoría unificada sobre arte y conocimiento (2004) y Crítica de la razón plástica. Método y materialidad en el arte moderno y contemporáneo (2011).
ANTROPOLOGÍA DE LA EXPANSIÓN GRÁFICA
LINEAS DE REFLEXION Y TRABAJO:
1. Los conceptos de extensión y expansión en el arte y en las ciencias humanas. Instrumentalización de la obra expandida en los ámbitos de la imagen múltiple. Análisis crítico de los modelos retóricos y operativos posmodernos.
2. El concepto de expansión visto desde la estética de la experiencia. El continuo cuerpo-mente y el espectro de consciencia. Constantes antropológicas en la creación y en la percepción de obras de arte.
3. Repertorio y oportunidad en la práctica del grabado. Conocimiento y reconocimiento de la esencialidad técnica. Alteración y replanteo de los parámetros ordinarios de percepción y de trabajo en grabado. Ejemplos históricos, alternativas y propuestas.
Panóptico II, 2011
Impresión digital en papel montada sobre aluminio plegado 200 x 100 x 12 cm.
ANA SOLER:
Tras licenciarse y doctorarse en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, comienza a desarrollar su inquietud por el arte contemporáneo nutriéndose de otros centros formativos de Francia, Italia, Inglaterra, Canadá o Japón. Parte del grabado para desarrollar su investigación tanto teórica-conceptual como artístico-práctica en el campo expandido de la gráfica contemporánea. Profundiza y reflexiona sobre el concepto de huella entendido como elemento transmisor de semejanzas inversas en los procesos de generación y producción (vida/muerte, huella/matriz, positivo/negativo, visible/invisible, original/multiple). Propone un nuevo sistema de relaciones entre los opuestos y se expresa utilizando otras disciplinas como la fotografía, la escultura, el dibujo o la instalación.
Ana Soler invita a descubrir, desde sus diferentes piezas a través de un viaje espiral donde está siempre presente la dualidad de la mirada (nada es lo que parece), continente y contenido, el alma y la carne, causa y efecto, en definitiva unos juegos de opuestos con los que trabaja en un interminable encadenado de imágenes y palabras con las que construye su personal imaginario. Con exposiciones tanto en España y en el extranjero su obra está presente en diferentes colecciones como la Academia de España en Roma, MACUF, Mustang Art Gallery, Centro Huarte de arte contemporáneo y un sinfín de prestigiosos centros de arte.
Desde el año 2000 es profesora en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra de la Universidad de Vigo en España, dedicándose a la docencia y la investigación en el campo de las “Aplicaciones de las Nuevas tecnologías a la Gráfica Contemporánea”. Es co-directora del grupo de investigación “dx5, Digital and Graphic Art Research” financiado por el Ministerio de Innovación y Ciencia y la Xunta de Galicia.
Gráfica de Campo Expandido. Hacia otro concepto de gráfica para el siglo XXI. Del Arte Gráfico al Arte Contemporáneo Múltiple: La complejidad del pensamiento en la praxis artística actual.
El taller teórico-práctico se dedicará a la reflexión de la actualidad del arte gráfico. Partiendo del concepto de filosófico de “huella”, matriz-estampa, se analizará el principio básico de producción de una estampa original, la transmisión de semejanzas inversas de una unidad a través de la confrontación/contacto de contrarios, y las consecuencias adyacentes a este hecho. El bucle de la repetición y transformación en la producción de arte múltiple dentro del contexto tecno-industrial actual. Se potenciará la comprensión de la teoría de la complejidad en la estética de pensamiento como opción contemporánea viable para entender las derivas actuales y futuras en el mapa de la praxis de la gráfica del siglo XXI.
TEORÍA:
Hacer visible lo invisible. 2. Interacción Arte-Ciencia: Arte / Tecnología, Arte / Sociedad, Arte / Industria. 3. La magia de los contrarios, cuando los extremos se tocan. El contacto como transmisor de semejanzas inversas. 4. Grafica Actual y Arte Múltiple. Repensar el concepto de estampa original: grabar, dejar huella. La presencia de una ausencia la ausencia de una presencia. 5. Ana Soler: del “grabado” al arte contemporáneo: masculino-femenino, cóncavo-convexo, forma-contraforma, muerte-vida, interior-exterior, huella física-huella psíquica, la huella de lo intangible, cicatrices invisibles, oriente-occidente, público-privado, unidad-multiplicidad, causa-efecto. 6. Investigación en la frontera: Grupo dx5. Innovación en la metodología. Metodología creativa: Reflexión científico-técnica, Reflexión teórico-conceptual, Reflexión artístico-práctica.
TALLER PRÁCTICO:
Abrir la obra gráfica al arte contemporáneo: Romper límites: formatos, teorías, técnicas tradicionales, conceptos de autoría, difusión, consumo. Mirar a la sociedad actual, a la industria, a los problemas del arte. Lo múltiple ayer y lo múltiple hoy. Salir de la endogamia, la reducción de miras del “grabado”. Utilizar los puntos fuertes y más actuales de la gráfica (el original múltiple: reproductibilidad, accesibilidad, repetición-transformación) para crear obras de arte contemporáneo que respondan técnica y conceptualmente a la sociedad e industria.
Se trataría de un taller totalmente personalizado, donde es estudiarían los proyectos individuales presentados y se plantearía un trabajo nuevo donde exista un factor estable derivado de su trayectoria y una variable totalmente nueva / rompedora que abra nuevos caminos, planteamientos y producciones.
Ruidos de no olvido, 2012
Impresión rho y corte laser sobre diond de aluminio
serie de 5 unidades de 60 x 70 cm.
JESÚS PASTOR BRAVO:
Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Catedrático de Dibujo. Premio Nacional de Grabado, Premio Lucio Muñoz. Exposiciones en Círculo de Bellas Artes, Madrid. Arco, Madrid. Bassel 2010. Miami 2010. S.H. Contemporary Shan Gay, 2010. Colecciones y Museos: C.G.A.C., C.A.M., Fundación Coca Cola., Fundación Miró Palma de Mallorca., M.G.E.C., Escultura Contemporánea Renfe., Calcografía Nacional., etc.
Ovoide Azul, 2011
Aluminio lacado, 110 x 100 x 50 cm.
CHEMA ELEXPURU:
Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Profesor de la UPV/EHU. Becado por la Fundación BBK. Trabaja en la Fundación Miró (Palma de Mallorca), La Fundación Franc Maserel (Belgica), Taller H&H, Madrid. Ha expuesto en Francia, Alemania, EEUU, Holanda. Obra en el Museo BBAA de Bilbao, PAFA, Filadelfia. Corcoran Colecction, Washington. Calcografía Nacional, Madrid. Shouther Graphic, USA, etc.
Solera Gran Reserva, obra efímera 2005
Vidrio, cloruro férrico, matriz de cobre 80 x 20 cm.
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Considero que no es tan importante que la obra final pueda llamarse “grabado” o “estampa”, como que la forma de construcción SÍ LO SEA. Creo más interesante hacer, llamémosle “grabado”, que producir una “estampa”.
Por lo tanto en la definicion, se produce “el desplazamiento de la noción de categoría por el concepto de sistema”. Es posible pasar de la categoría al acontecimiento, aunque quizás ya no podría llamarse grabado (o un sinónimo), pero si se podría haber creado la imagen con y desde el grabado (o un sinónimo).
Considero necesaria la consciencia de que al ampliar el concepto de grabado, también expandimos los parámetros de su valoración. Si ampliamos la red hacia lugares cercanos al arte contemporáneo, el valor del juicio debe ser el del arte contemporáneo. Entonces la comparación no sería tanto con otros grabadores o grabados, sino con otras obras o artistas de otras disciplinas.
Quedaría concretar si gráfica se ha expandido hacia otros campos y ámbitos artísticos en un movimiento centrífugo de explosión, o bien si su movimiento ha sido centrípeto de implosión absorbiendo todo lo posible de otros ámbitos artísticos.
Este desarrollo lleva implícito la pregunta sobre la nueva identidad del grabado (o sinónimo) y sobre todo, si es necesario preguntarlo y encontrar una respuesta.
Siempre que se habla de grabado aparece el tema de la multiplicidad, lo que inmediatamente sitúa la cuestión en un aspecto totalmente obsoleto e intranscendente desde la óptica de la creación. Esta capacidad siempre debe entenderse como la herencia de su función primera, que siendo primordial para la difusión del conocimiento ha lastrado su potencialidad como medio de creación.
El grabado, como campo de trabajo artístico, abarca todo aquello que se deriva de su práctica, por lo que no resulta complicado definir el marco inicial. Partiendo de este principio todos y cada uno de los recursos y mecanismos que intervienen en el proceso de creación son potencialmente elementos que configuran el territorio gráfico, desde la concepción y planificación de la obra, hasta su factura, contextualización, etc.…, todo lo que sucede, tangible e intangible, en ese espacio de tiempo, define los difusos límites del territorio gráfico.
Este modelo de pensamiento, referido al grabado contemporáneo, difiere de lo que coloquialmente se entiende por obra gráfica, la utilización fragmentada de todos y cada uno de los elementos que componen el medio, sus recursos y sus características, derivan de una forma de pensar y actuar acorde con la contemporaneidad del arte.
INMERSIÓN EN EL TALLER DE GRABADO.
El grabado como punto de partida
¿Esto en lo que trabajamos es grabado? ¿A qué nos referimos cuando trabajamos desde el grabado? El taller de grabado como punto de partida para explorar el potencial creativo del entorno vital y tangible, el espacio de trabajo, en su integridad, como recurso de creación.
PROGRAMACIÓN PARALELA:
Encuentros:
“Derivas, la gráfica contemporánea: dialogo y reflexiones ” Juan Moro / Ana Soler.
Miércoles 3 de julio. Sala House Cinema a las 19 horas, aforo abierto.
“La expansión de la gráfica hacia otros ámbitos artísticos: movimiento centrífugo o movimiento centrípeto ” Jesús Pastor / Chema Elexpuru
Miércoles 10 de julio. Sala House Cinema a las 19 horas, aforo abierto.
A quién va dirigido:
El taller va dirigido a artistas, profesionales y estudiantes iniciados en las técnicas gráficas, que deseen explorar y reflexionar en torno a la propuesta del seminario.
Inscripción:
Las personas interesadas en participar en el taller deberán adjuntar un breve currículum, con 5 imágenes de obra reciente, así como una breve idea de un proyecto a desarrollar durante el curso.
La solicitud se realizará a la Fundación Bilbao arte vía e-mail o correo ordinario.
Fecha límite 21 de Junio.
La admisión al curso se comunicará individualmente a través del correo electrónico.
Precio: 220€. Estudiantes y/o parados 150€.
La duración del taller será de 2 semanas del 1 al 12 de julio.
De lunes a viernes en horario de 10 a 14h y de 16 a 19h.
Máximo 12 participantes.
Los participantes deberán traer su propio ordenador portatil, así como un pendrive para intercambio de datos.
Al finalizar el curso se dará un certificado de participación.
Para más información sobre la programación del curso los interesados podrán dirigirse a:
bilbaoarte@ayto.bilbao.net / pilarvaldivieso@bilbaoarte.org
