A lo largo de junio, julio, agosto y septiembre se darán cita en la sala de cine de BilbaoArte una selección de películas contemporáneas para todos los públicos. El ciclo lo abrirá y cerrará el director de cine Asier Altuna con Bertsolari (16 de junio, 19:00h) y Amama (22 de septiembre, 19:00h). Entrada libre hasta completar el aforo.
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Jueves 16 de junio, 19:00h
“Bertsolari” de Asier Altuna (2011)
Duración: 90 min.
País: España
Director: Asier Altuna
Guión: Asier Altuna
Música: Herrikojak
Fotografía: Gaizka Bourgeaud
Reparto: Maialen Lujanbio, Andoni Egaña, Joseba Zulaika, John Miles Foley, Miren Amuriza, Jon Sarasua
Productora: Txintxua Films
Género: Documental
Sinopsis: El “bertsolari” es una especie de juglar que improvisa versos y los canta en euskera. Esta tradición oral ha sabido evolucionar y adaptarse a los tiempos conectando con las generaciones mas jóvenes, llegando a reunir en la final del último campeonato a 14 mil personas. Un arte de estética austera que sorprende en esta época de espectacularidad y efectos especiales.
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Jueves 23 de junio, 19:00h
“I´m a Cyborg but that´s ok“ de Park Chan-wook (2006) .
Duración: 112 min.
País: Corea del Sur
Director: Park Chan-wook
Guión:
Fotografía:
Reparto: Lim Soo-jung, Rain, Choi Hee-jin, Lee Young-nyeo, Yoo Ho-jung, Shon Young-soon
Productora:Moho Film
Género: Comedia. Drama. Fantástico. Ciencia ficción
Sinopsis: La joven Young-goon está internada en un psiquiátrico porque cree que es un cyborg. Se niega a ingerir comida y se alimenta sólo de pilas y baterías eléctricas porque cree que, como ser cibernético, sólo necesita electricidad. Su actitud cambia cuando entabla amistad con Il-soon, un joven que se oculta constantemente tras una máscara.
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Jueves 30 de junio, 19:00h
“Madre e hijo“ de Calin Peter Netzer (2013)
Duración: 112 min.
País: Portugal
Director: Valeria Sarmiento
Guión: Razvan Radulescu, Calin Peter Netzer
Fotografía: Andrei Butica
Reparto: Luminita Gheorghiu,Bogdan Dumitrache,Florin Zamfirescu,Natasa Raab,Ilinca Goia
Productora: Parada Film/ Hai-Hui Entertainment
Género: Drama | Familia.
Sinopsis: Títulos como La muerte del señor Lazarescu; Martes, después de Navidad; 12:08 Al este de Bucarest; Historias de la edad de oro; 4 meses, 3 semanas, 2 días e incluso, el demoledor documental montado en una simple pero certera acumulación de imágenes oficiales del dictador rumano, The Autobiography of Nicolae Ceaucescu , representan la incontestable evidencia de la soberbia calidad del cine rumano. Madre e hijo arranca con una fiesta que radiografía la mediocridad moral de sus personajes, en especial la figura de esa madre coprotagonista del filme, y termina con un epílogo desolador relatado con maestría y precisión. Su guión, coescrito por el propio realizador junto a Razvan Radulescu, colaborador de cineastas como Cristi Puiu, Cristian Mungiu, Alexandru Baciu y Radu Muntean, un Rafael Azcona del drama rumano, da una lección de disección social. Nada en él es gratuito, nada resulta artificial, nada suena a impostado. El mecanismo que pone en marcha esta disección sobre la soledad de una madre arribista y dominante, una superviviente corrupta en un universo de inmoralidad y miseria.
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Jueves 7 de julio, 19:00h
“Caníbal“ de Manuel Martín Cuenca (2013)
Duración: 116 min.
País: España
Director: Manuel Martín Cuenca
Guión: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández (Novela: Humberto Arenal)
Fotografía: Pau Esteve Birba
Reparto: Antonio de la Torre, Olimpia Melinte, María Alfonsa Rosso, Manolo Solo, Delphine Tempels, Joaquín Núñez, Yolanda Serrano, Gregory Brossard
Productora: Coproducción España-Rumanía-Rusia-Francia; La Loma Blanca / Mod Producciones / CTB Film Company / Libra Film / Luminor
Género: Drama | Thriller psicológico. Asesinos en serie
Sinopsis: En Caníbal hay momentos bellísimos y escenas demoledoras. Pero no hay nada truculento, ningún detalle para el morbo, ninguna claudicación a esa voluntad de respetar al espectador y respetarse a sí mismo como cineasta. La historia de Caníbal es la historia de un atildado sastre en la Granada más rancia. Una sociedad de cofrades y susurros; de represiones y misas. Al parecer, del libro original, apenas permanece una idea, la del patético ser que al no poder consumar sexualmente su amor, sueña con devorarlo. Una antropofagia telúrica que encuentra ecos en los arrebatos de los amantes, en el ritual católico y en los ecos borrados del Caribe y sus tradiciones condenadas por nefandas. A Martín Cuenca no le interesa retratar al psicópata sino elaborar un símbolo, la imagen del horror; el mal con mayúsculas. Tras el pretexto de ese monstruo (electrizantes y rotundas las escenas de los asesinatos), aquí se habla de todos los monstruos que devoran a sus semejantes. En Caníbal se convoca la figura del franquismo, la de la España corrupta y criminal, la que depreda sin remordimientos, la que avasalla sin rendir cuentas, la que nunca ha vuelto porque nunca se fue.
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Uztailak 14 Julio, 19:00h
Primera parte de “De dioses y hombres“ de Xavier Beauvois (2010).
Duración: 120 min.
País: Francia
Director: Xavier Beauvois
Guión: Xavier Beauvois, Etienne Comar
Fotografía: Caroline Champetier
Reparto: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin, Philippe Laudenbach, Jacques Herlin, Loïc Pichon, Xavier Maly, Jean-Marie Frin, Abdelhafid Metalsi, Sabrina Ouazani, Goran Kostic
Productora: Why Not Productions / France 3 Cinéma
Género: Drama. Basado en hechos reales
Sinopsis: Ambientada en los años 90, en realidad la historia podía ser representada en cualquier tiempo, en cualquier lugar. Porque lo que a efectos del relato interesa transcurre en los pliegues interiores de una comunidad religiosa con vocación de mártir. No tanto porque asuma la llamada de la muerte, sino porque tal y como Beauvois lo filma, su labor evangelizadora ha perdido su misión proselitista. En medio de una realidad musulmana, el monasterio creado en tiempos coloniales, permanece como una huella arqueológica tan útil -ayudan a los vecinos, les curan y les atienden-, como inoperativa y simbólica en un mundo ecuménico donde en nombre de Dios se ama y se mata. Esos nueve monjes cistercienses representan una bondad de santoral y esa es la cuestión fundamental que preocupa al filme de Beauvois: ¿qué lleva a asumir un sacrificio tan desmesurado? En su galería de retratos, Beauvois no ha podido evitar contagiarse por el exceso poético de lo que representa. Sus personajes devienen más en iconos divinizados que en hombres de carne y hueso. Su generosidad les precede aunque esa actitud, por idealizada, provoque una serie de preguntas que tras contemplar el filme se imponen con desasosiego. Con ese lastre Beauvois se asoma al abismo del presente con una mirada que elude lo inmediato para cuestionar lo esencial: ¿es posible/necesaria/útil la religiosidad mística en tiempos de virtualidad mítica?
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Jueves 21 de julio, 19:00h
“En la casa” de François Ozon (2012)
Duración: 101 min.
País: Francia
Director: François Ozon
Guión: François Ozon (Obra: Juan Mayorga)
Música: Philippe Rombi
Fotografía: Jérôme Alméras
Reparto: Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Diana Stewart, Denis Ménochet, Jean-François Balmer, Fabrice Colson, Bastien Ughetto, Stéphanie Campion, Yolande Moreau
Productora: Mandarin Cinéma / Mars Films / France 2 Cinéma / Foz / Canal + / Ciné + / France Telévisions / Cofimage 23 / Palatine Étoile 9
Género: Drama. Comedia. Intriga
Sinopsis: En la casa, describe el proceso de metamorfosis de un veterano profesor de literatura empeñado en que en sus alumnos brote alguna sensibilidad por la escritura. Camino de los sesenta, acomodado y aburrido, su bagaje cultural le aleja de sus alumnos a fuerza de años y años de barnizarse con lecturas frente a unos pupilos cada vez más desinformados, insensibles e indefensos. La perversión que mueve la trama interior consiste en un encuentro entre ese profesor de mirada crepuscular y un alumno arrogante de quien nunca se sabe si detrás crece un psicópata o un escritor; dualidad que en la vida real, en algunos casos, coincide en la misma persona. El tema es que Ozon se desliza feliz por la autopista diseñada por Mayorga. El francés encuentra en el madrileño un texto que hace propio, un duelo que vive en propia piel y un trasfondo que le permite volar. Feliz ganadora de la Concha de Oro en la última edición de Zinemaldia, En la casa nos regala la presencia de un joven actor de presencia perturbadora. Ozon, siempre predispuesto a insuflar vida y densidad a sus personajes, recibe de Ernst Umhauer, un excepcional regalo. Con él como demiurgo, a veces tierno, a veces, siniestro, su filme entona una exaltación al mundo literario que parece condenar al hombre actual a elegir entre la utopía creadora en soledad o anclarse a la monotonía en compañía.
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Jueves 28 de julio, 19:00h
“La caza” de Thomas Vinterberg (2012)
Duración: 111 min.
País: Dinamarca
Director: Thomas Vinterberg
Guión: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm
Fotografía: Charlotte Bruss Christensen
Reparto: Mads Mikkelsen,Thomas Bo Larsen,Annika Wedderkopp,Alexandra Rapaport,Anne Louise Hassing,Lars Ranthe,Lasse Fogelstrøm,Susse Wold,Ole Dupont,Sebastian Bull Sarning
Productora: Zentropa Entertainments
Género: Drama / Abusos sexuales
Sinopsis: Se diría que La caza es una puesta al día de Las brujas de Salem, una reinvención de Dies irae que avanza sobre las brasas escondidas de las perversiones sexuales, sobre la pulsión de muerte de una sociedad que no consigue resolver ese oscuro objeto de deseo. Vinterberg regatea los escarceos confusos de pasadas aventuras y escoge un tono de clasicismo y austeridad. Con él, durante los primeros minutos, retrata a su víctima. Un buen hombre, amigo leal y maestro responsable, zarandeado por una relación conyugal equivocada. Vinterberg huye del claroscuro, aquí no hay zonas sombrías, y se sitúa en las antípodas del hacer de Todd Solonz. A él no le interesa la pedofilia sino la emergencia del conflicto que sobreviene a partir de una acusación falsa. Desasosegante en su atmósfera, aquí aparece el mejor Vinterberg de todos, el que con un par de brochazos dibuja un paisaje propicio para abrazar la locura y el fanatismo. Parece hablar de los abusos infantiles cuando lo que hace es despellejar la inmadurez de una civilización sedienta de violencia al tiempo que mira a lo femenino con el mismo pánico que agita y perturba al viejo Lars.
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Jueves 4 de agosto, 19:00h
“La herencia” de Per Fly (2002)
Duración: 107 min.
País: Dinamarca
Director: Per Fly
Guión: Per Fly, Kim Leona, Mogens Rukov, Dorte Høgh
Fotografía: Harald Gunnar Paalgard
Reparto: Ulrich Thomsen, Lisa Werlinder, Ghita Nørby, Lars Brygmann, Karina Skands, Niels Peter Steen
Productora: Zentropa
Género: Drama
Sinopsis: Christoffer (Ulrich Thomsen) pertenece a la cuarta generación de la familia propietaria de la prestigiosa Planta Siderúrgica Borch Møller, pero él ha abandonado el negocio familiar para abrir un restaurante en Estocolmo. Allí está felizmente casado con una actriz sueca, Maria (Lisa Werlinder), pero cuando su padre se suicida, la madre de Christoffer (Ghita Nørby) le exige que vuelva a casa para asumir el puesto de director ejecutivo de la compañía. A regañadientes, regresa para hacerse cargo de la Dinastía familiar. Esto pilla de sorpresa a su esposa, a su hermana Benedikte (Karina Skands), y al marido de ésta, Ulrik (Lars Brygmann), que hasta entonces era considerado como el candidato más obvio al puesto. Christoffer se ve forzado a adoptar medidas drásticas para salvar a la compañía de la amenaza de ruina, y esto le crea tensiones con su familia y con Maria. La herencia tiene un precio personal que él se ve obligado a pagar al completo…
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Jueves 11 de agosto, 19:00h
“La vida en tiempos de guerra” de Todd Solondz (2009)
Duración: 98 min.
País: Estados Unidos
Director: Todd Solondz
Guión: Todd Solondz
Fotografía: Edward Lanchman
Reparto: Allison Janney,Shirley Henderson,Ally Sheedy,Gaby Hoffmann,Michael Kenneth Williams,Michael Lerner,Charlotte Rampling,Ciarán Hinds,Paul Reubens,Chris Marquette,Rich Pecci,Dylan Riley Snyder,Renée Taylor
Productora: Werc Werk Works
Género: Drama.
Sinopsis: Hay un gesto que Todd Solondz repite en La vida en tiempos de guerra con la solemnidad hierática de un ritual. Se trata de una caricia. Un roce entre dos manos que se unen por un instante. Pertenecen a personas sentimentalmente heridas que desearían que ese goce fuera eterno. Intuyen que será efímero. Ansían anclarse en un abrazo, pero no hacen sino asir la manilla que abre la infelicidad. Como hizo Ingmar Bergman en Saraband, Todd Solondz construye este filme rastreando los restos del naufragio de una obra anterior. El origen de La vida en tiempos de guerra se encuentra en Happiness (1998). Así que estamos ante una revisitación a un campo de batalla del que hace doce años ya supimos de sus afilados colmillos. Si no se vio la obra precedente se puede apreciar este filme igualmente, pero faltará el escozor de la memoria y el reencuentro. De hecho los actores son diferentes, lo que acentúa la idea de que el personaje es el fundamento; el actor, el pretexto. Decir que Todd Solondz es una especie de Woody Allen del lado oscuro traiciona el alcance de un discurso tan desgarrado como compasivo. A Solondz se le malentiende. Como penetra en las cloacas del deseo y en la vulnerabilidad de los afectos y efectos sexuales, Solondz desconcierta e incomoda. No es fácil de digerir ni resulta confortable de asumir.
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Jueves 18 de agosto, 19:00h
“Winter´s bone” de Debra Granik (2010)
Duración: 100 min.
País: Estados Unidos
Director: Debra Granik
Guión: Debra Granik, Anne Rosellini
Fotografía: Michael McDonough
Reparto: Jennifer Lawrence,John Hawkes,Lauren Sweetser,Sheryl Lee,Kevin Breznahan,Isaiah Stone,Ashlee Thompson,Shelley Waggener,Garret Dillahun.
Productora: Roadside attractions
Género: Drama/ Intriga /Thriller
Sinopsis: Basada en la novela de Daniel Woodrell, un francotirador de lo que se denomina country noir, Debra Granik levantó el centro de esa herida abierta en los montes de Orzak donde sus habitantes agonizan en la trastienda del sueño americano, mientras reciben a los turistas que buscan allí los ecos del origen de EE.UU. Por eso, más allá de las urdimbres con las que se desarrolla este thriller de banjos y violencia, como un relámpago que arroja luz hacia el exterior, Winter´s Bone hace especial hincapié en la única esperanza que le queda a su joven protagonista: enrolarse en el ejército. Así y entre otras cosas, Winter´s Bone señala con explícita intencionalidad que éste es uno de los viveros de donde surgen los soldados del imperio americano. Un campo abonado por el miedo, la pobreza y el aislamiento. La verdadera tierra hostil, parece gritar Granik, no se halla en Irak ni en Afganistán, sino que se extiende en el epicentro del imperio.
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Jueves 25 de agosto, 19:00h
“Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia” de Roy Anderson (2014)
Duración: 101 min.
País: Suecia
Director: Roy Anderson
Guión: Roy Anderson
Fotografía: István Borbás, Gergely Pálos
Reparto: Holger Andersson,Nils Westblom,Charlotta Larsson,Viktor Gyllenberg,Lotti Törnros,Jonas Gerholm,Ola Stensson,Oscar Salomonsson.
Productora: Coproducción Suecia-Alemania-Noruega-Francia-Dinamarca; Roy Andersson Filmproduktion AB / Nordisk Film- & TV-Fond
Género: Comedia/Drama
Sinopsis: Con una estructura mínima, Andersson al que se le adivinan referencias y nutrientes, convoca una voz personal e identificable, un estilo que a sus 72 años aparece como un paradigma reconocible y propio. En la quietud de esta Paloma irrumpen relámpagos de ferocidad extraña. El tiempo y el espacio en el que transcurren sus capítulos de conexiones subterráneas se diluyen en una tenue línea de sombra. Esos episodios que comienzan con tres muertes y que alcanzan su cenit con un ensayo sobre la crueldad de la humanidad: el mono encadenado, los esclavos carbonizados… alcanza momentos fulgurantes. Como solemne y demoledor resulta el desfile letal del ejército de Charles XII de Suecia, el soberano heroico devenido en el gran exterminador, camino de la batalla de Poltava. Roy Andersson dinamita el tiempo histórico con el tiempo fílmico, todo se reduce a estampas de muertos vivientes y a vivos que morirán para tejer, como Keaton, una patética mueca parecida a una sonrisa. La que se queda en el rostro cuando un ser humano se abisma a reflexionar sobre la existencia.
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Jueves 1 de septiembre, 19:00h
“El congreso” de Ari Folman (2013)
Duración: 118 min.
País: Israel
Director: Ari Folman
Guión: Ari Folman
Fotografía: Michael Englert
Reparto: Robin Wright,Harvey Keitel,Danny Huston,Paul Giamatti,Frances Fisher,Kodi Smit-McPhee,Michael Landes,Sami Gayle,Matthew Wolf,Jon Hamm,Michael Stahl-David.
Productora: Liverpool
Género: Comedia/Drama
Sinopsis: Ari Folman se sirve de un relato de Stanislaw Len, el mismo escritor al que acudió Tarkovski para (re)crear Solaris, aquella revisitable incursión en el desgarro de la muerte y en el desamparo del superviviente. Tarkovski no quería adentrarse en un futuro más o menos próximo sino hurgar en un presente en ruinas, hecho de sombras y renuncias ante cuyo despotismo solo queda la reivindicación de la subjetividad. Folman articula su filme en dos niveles, dos planos convergentes tratados con perversa estrategia. El espacio de la imagen llamada real está presidido por una reverberación fantasmática. A veces, los actores se comportan como si llevaran máscaras. En paralelo, el desbordante barroquismo que permite la ilustración descargada de servidumbres fotográficas, deviene en reflejo verosímil de un dilema moral. Este experimento asume envolver el acierto con el error, fundir lo sublime con lo ridículo, abrazar el patetismo con el relámpago fascinador de lo inaprensible. Sin duda El congreso está lleno de grietas y algún personaje se arrastra pero, a su lado, hay otros que rozan alturas rara vez percibidas. Es cine sin paracaídas.
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Jueves 8 de septiembre, 18:00h
“Yi-Yi” de Edward Yang (2000)
Duración: 173 min.
País: Taiwán
Director: Edward Yang
Guión: Edward Yang
Fotografía: Weihan Yang & Longyu Li
Reparto: Wu Nien-Jen,Elaine Jin,Kelly Lee,Jonathan Chang,Issey Ogata
Productora: Coproducción Taiwán – Japón
Género: Comedia/Drama
Sinopsis: NJ Jian, su esposa Min-Min y sus dos hijos forman una típica familia de clase media, que comparte su apartamento en Taipei con la anciana madre de Min-Min. NJ tiene 45 años y trabaja como socio en una empresa informática que el año anterior obtuvo importantes beneficios, pero que pronto podría quebrar si no cambia de estrategia. Las cosas empiezan a ir mal para los Jian cuando el hermano de Min-Min, Ah-Di, se casa. De alguna manera entre todos los problemas que tienen deben aprender lo hermosa que es la vida y cómo hay que cuidarla, sea cual sea la situación que nos toque vivir.
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Jueves 15 de septiembre, 19:00h
“The Grandmaster” de Wong Kar-Wai (2013)
Duración: 130 min.
País: Hong Kong
Director: Wong Kar-Wai
Guión: Wong Kar-Wai, Xu Haofeng, Zou Jinzhi
Fotografía: Philippe Le Sourd
Reparto: Tony Leung Chiu Wai,Zhang Ziyi,Zhao Benshan,Chang Chen,Brigitte Lin,Zhang Jin,Song Hye-kyo,Wang Qingxiang,Cung Le,Lo Hoi-pang,Liu Xun,Leung Siu Lung,Julian Cheung Chi-lam
Productora: Coproducción China-Hong Kong; Block 2 Pictures / Jet Tone Production / Sil-Metropole Organisation / Annapurna Pictures
Género: Drama/Acción
Sinopsis: Wong Kar-wai ha dedicado dos largos años para dar “estilo” a una obra que abrumó a su director de fotografía, Philippe Le Sourd. Y si el estilo se define por los estilemas, esos rasgos que confieren cierta unidad y que hermanan entre sí las obras de un cineasta, resulta obvio que el autor de Deseando amar (2000) es el mismo que firma The Grandmaster. De hecho, bajo la apariencia de un filme de artes marciales, Kar-wai da rienda suelta al universo que le caracteriza, al que tras títulos como Chungking Express (1994), Fallen Angels (1995) y Happy Together (1997) desembocaron en la que sigue siendo su mejor película, la citada Deseando amar. Posteriormente, Wong Kar-wai, volvió a contar lo que ya había contado en 2046 (2004) y en su aventura/desventura norteamericana, My Blueberry Nights (2007). Fue entonces cuando, al dar síntomas de desorientación y fatiga, rehizo un filme de espada y fantasía, Ashes of time (2008) a partir de lo que había hecho en 1994. La conclusión era que, en su mejor cine, el de la pasada década, Wong Kar-wai ya había dejado muy claro que en su universo, sus criaturas están condenadas a enamorarse de la persona equivocada. Sus romances rara vez se consuman y, si lo hacen, solo lo culminan de manera fugaz, insoportablemente efímera. Ahí brota su estilo. En eso y en su gusto por una música de armonías insistentes que, como un mantra, repiten su hechizo hasta llevar en volandas al espectador a la par que la cámara, siempre en movimiento, siempre sin descansar, se mueve sinuosa, sensual, dolorosa y dolorida.
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Jueves 22 de septiembre, 19:00h
“AMAMA” de Asier Altuna (2015)
Duración: 103 min.
País: España
Director: Asier Altuna
Guión: Asier Altuna
Fotografía: Javier Agirre
Reparto: Iraia Elias,Kandido Uranga,Klara Badiola,Ander Lipus, Manu Uranga,Amparo Badiola,Nagore Aranburu
Productora: Txintxua Films
Género: Drama/Vida rural
Sinopsis: Si en Bertsolari, Altuna se dio un baño de poesía; en Amama bucea en el verso hasta la extenuación. Allí abajo, en el fondo de la cuestión vasca, Altuna escrudiña en imágenes, ecos, ruinas y reliquias. No está solo. Le acompañan muchas voces; desde el Oteiza de Quousque tandem… al Agustín Ibarrola del bosque de Oma. De ese modo, Altuna embarca a reconocibles y reconocidos referentes de la cultura vernácula e incluso guiña un ojo al David Lynch más luminoso. Consagrados o jóvenes, vascos y/o universales, entre todos allanan un camino que gira en torno a la derrota anunciada de un padre que amanece siendo una sombra y se despide convertido en un símbolo monumental. Para él levanta Altuna un ensayo valiente y singular que debe ser vivido, oído y/o leído en euskera puesto que es en el euskera donde habita la semilla germinal de este bello e irregular filme. En su estreno en Zinemaldia, lamenté el silencio de la palabra, la que la Amama debería sostener. Pero con silencio o sin él, nada impide celebrar la hondura emocional de un filme que no pinta en rosa una realidad sino que la retrata con lirismo, porque Altuna siente que lo crepuscular debe ser tratado con suma delicadeza.
